Würde. Daran muss ich immer wieder denken, wenn ich Vikas Vasudevs Portraits baltistanischer Menschen betrachte. Aus respektvoller Distanz werden sie fotografiert, meist in Farbe und im Kontext ihrer heimatlichen Umgebung. Oft mittig positioniert, scheinen die Charaktere das Zentrum der Aufmerksamkeit zu sein, mit ihren Hüten, Gewändern und farbenfrohen Kleidern.
„Wenige Menschen selbst in Indien wissen überhaupt, dass es den Ort Baltistan gibt. Erst kürzlich wurde Baltistan von der Außenwelt abgeschnitten und die Armee gestattet nur sehr begrenzten Zugang zur Region“, berichtet Vasudev über das Gebirge in Pakistan. Als er zum ersten Mal in diesem Teil des Kaschmirgebirges zwischen Karakorum und Himalaya eintraf, wusste der Fotograf nicht, was er überhaupt erwarten sollte, denn es gab für ihn nichts wirklich Interesstantes zu sehen.
„Ich lief erst einmal fünf Tage herum und versuchte, Zugang zu den Menschen zu bekommen, einfach abzuhängen. Das war aber gar nicht leicht, denn die Leute sind nicht an Fremde gewöhnt – geschweigedenn, fotografiert zu werden.“ Irgendwann brach dann aber doch das Eis und trotz brüchiger Kommunikation mit den Menschen entdeckte Vasudev die wundervolle Welt der Balti.
Zum fotografischen Ablauf bemerkt Vasudev nur, dass er seine Aufahmen niemals plane. „Alles hängt davon ab, wie ich auf einen bestimmten Ort und die Menschen emotional reagiere.“ Es habe schon Zeiten gegeben, in denen er über einen Monat voll ausgerüstet reiste, ohne ein einziges Bild zu machen. Es scheint, als müssen viele Dinge zusammenkommen und dann, im entscheidenden Moment, entsteht ein Portrait.
Ich freue mich, dass sich Vikas Vasudev den Menschen und dem Land geöffnet und dort großartige Portraits gemacht hat. Sein Tumblr werde ich jedenfalls weiter verfolgen.
Have you ever had a dream where you looked around the room and everyone looked exactly like you?
Wait, was that a dream?
Either way, you can turn your camera into the ultimate cloning device and make like a million clones of yourself!
With our guide, you can learn how to make carbon copies of yourself (the best photo subject around).
Lay on the couch while vacuuming, or build a human pyramid out of 10 versions of yourself.
You can make images where you (appear to) do it all. You’ve always wanted a stunt double, right?
Go Ahead, Duplicate Yourself
p.s. Learn the elements of lighting and sweet power-moves you didn’t know your phone had in our Phoneography 101 course. All the cool kids are doin’ it. Sign up!
Why it’s cool:
We thought about actually cloning ourselves, which would be awesome in so many ways.
But then we thought digital clones might be better, and a lot less complicated in the long run.
Duplicating yourself is easier than you think.
And you can fool everyone into thinking you have a twin, or a triplet.
Ingredients:
A model (yourself or a friend)
Camera
Tripod
Computer
Editing Software
Props (optional)
STEP 1: Find Your Scene:
First, find the scene you want to photograph.
Set your camera up and compose your image.
Think about where you will place your carbon copies and what each figure will be doing.
It is best to use your camera on a tripod, so that your background stays exactly the same throughout this process.
If you don’t have a tripod, place your camera somewhere stable, like on top of a bookshelf or stool.
Make an exposure to check your composition.
Step 2: Meter Your Scene:
Place your model in the scene.
Make another exposure to check the light falling on the person.
You can use the light meter in your camera, or if you want to be more specific, use a hand held light meter.
Did you know there’s a light meter app for the iPhone and Android?
For our first shot, we metered the light for the furthest distance from our lens to make sure it wouldn’t be too dark.
Step 3: Make Your First Image:
With your camera on a tripod, get ready to take your first photo.
Focus on the area where your model will be.
For focusing self portraits, place something in the scene that can be easily moved. You could prop up a pillow or set a stool where you are going to be.
If you are using yourself as a model, set your camera to self-timer mode.
Once you’ve got your camera set, make sure your model is in place.
Make an exposure.
Step 4: Make your Second Image:
The important thing here is to make sure your model is the only thing that moves in the scene.
Move your model to the another part of the scene.
Make sure to focus on your model in the new part of the image.
If your camera has a live view mode, you can use the zoom button on the back of the camera to make sure your focus is precise.
Make your second exposure.
Step 5: Repeat:
Place your model in a third part of the scene.
Check your focus and make an exposure.
Repeat this as many times as you’d like to have multiple individuals throughout your scene.
Step 6: Import Images:
Once you have made your exposures, it’s time to put them on the computer.
Open the photos you want to combine in Photoshop or another photo editing software.
Hold off on cropping or editing just yet.
It’s best to work with images straight out of the camera before making any color, brightness, or white balance adjustments.
For this tutorial, we’ll be using Photoshop CS6. Other editing programs, such as Gimp, will have similar methods, but the commands and tool placement may be slightly different.
Step 7: Copy and Paste:
Starting with the second image from your series, select the entire image.
Use the copy function to copy the image (Command + C on macs, Control + C on PC’s).
Paste that image as a new layer onto the first image from your series.
You can use keyboard shortcuts (command or control + V), or go up to “Edit” in the menu, and select “Paste in Place.”
“Paste in place” ensures that the images will be lined up on your canvas.
Step 8: Make a Layer Mask:
Now, looking at your image, the photo you just pasted is Layer 1. Your first image is the “Background”.
By adding layers stacked right on top of each other, you will be able to erase parts of the Layer 1 to reveal the background image underneath.
This is how you will appear to be in multiple places at the same time.
Because you left your camera on a tripod, the background of each image should line up perfectly.
Erasing part of the layer will reveal what is different between the photos (i.e. yourself within another part of the frame.)
To make things easier in the long run, create a layer mask for Layer 1 by clicking the layer mask icon at the very bottom of the layers palette. It looks like a square with a circle in it.
By making a layer mask, you’ll be able to erase from your layer and paint parts back in with the Paintbrush tool if you mess up.
If you don’t use a layer mask and you accidentally erase something important, you won’t be able to paint parts back in.
Here’s a little more info on layer masks if you’ve never used them before.
Step 9: Erase:
Set your eraser to a pretty decent size to start with.
Erase all of Layer 1, except your model.
You will see your background image and first figure start to appear
Use a large brush for the background, and zoom in close and use a smaller brush to get the details and edges.
Step 10: Brush Tool:
When using a layer mask, it’s okay to make a mistake.
If you happen to erase too much, like we did here with the model’s hand, it’s not a big deal.
Use the brush tool to paint that part of the layer back in.
By working back and forth with the eraser and the brush tool, you can remove what you want from the image with precision.
Step 11: Repeat:
Repeat steps 7-10 for your third image.
Select it, copy it, and paste in place.
Don’t forget to make a layer mask for this new layer as well.
Erase the extra info from your layer, revealing the figures underneath.
Step 12: Save your Layers:
It’s always important to save your work as you go along.
Saving your image as a PSD (photoshop file) or a TIFF will allow you to save the layers and layer masks.
This way, you can come back and edit them at any point.
Step 13: Share:
Once you’re satisfied with your photo, save your final version as a jpg.
When you go to File, select “Save As”, then select JPG. Doing this automatically flattens the image into one layer, and compresses the file size a bit.
JPG is more friendly with websites and social media sites, and will make emailing your creation easier.
Take it further
Make elaborate scenes, like the one above, with the live-view zoom to focus method.
Create composite photos on your phone! Photoshop Touch lets you work with layers.
Use this layering technique to create levitating photos.
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Ich erinnere mich noch genau. 30. September 2011, Sarah und ich sitzen im Hugeldubel in München, trinken Caramel Macchiato und warten auf einen gemeinsamen Freund. Ich erzähle von diesen Fotoprojekten bei denen man fremde Menschen auf der Straße fotografiert. Sarah sagt, was ich denke: „Wow, die trauen sich, einfach die Leute auf der Straße anzusprechen?“
Das sagt jeder, dem ich von diesem Projekt erzähle. Und das dachte ich auch, als ich an diesem Tag zurück ins Sonnenlicht auf den Marienplatz lief und meinen ersten Stranger ansprach. ?Ich war ziemlich überrascht, dass dieser junge Mann tatsächlich stehen blieb, mir zuhörte, lächelte und ja sagte. Obwohl ich gestottert und viel zu viel geredet habe. Naja, ich sag es lieber gleich: Das war Anfängerglück.
Fast täglich bekomme ich eine Nachricht von jemandem, der dieses Projekt machen möchte, aber nicht weiß, wie. Daher dachte ich, ich erzähle von meiner Herangehensweise und meinen Erfahrungen, um anderen den ersten Schritt einfacher zu machen und ein paar Tipps zu geben.
Wie spreche ich die Menschen an?
Es hat eine Weile gedauert, bis ich den ‚richtigen‘ Spruch entwickelt hatte. Denn, wenn man nicht in den ersten drei Sekunden glaubhaft vermitteln kann, dass man weder Daten noch Geld möchte, flüchten die Menschen mit einem Kopfschütteln.
Man kann es ihnen auch nicht übelnehmen, schließlich wollen die meisten Menschen, die auf der Einkaufsstraße zielstrebig auf einen zukommen, dass man sich irgendwelchen Fragebögen stellt, etwas kauft oder abonniert. ?Außerdem ist heute ja jeder in Eile, also muss man auch noch versprechen, dass es schnell geht.
Ich sage meistens etwas wie: „Hallo, haben Sie zwei Minuten Zeit? Ich möchte nichts verkaufen und weder Ihren Namen noch Ihre Adresse. Ich arbeite zur Zeit an einem privaten Fotoprojekt, Sie sind mir aufgefallen und ich würde Sie sehr gern fotografieren.“
Es gilt, diesen Satz mit einem Lächeln auf den Lippen zu sagen und zwar so schnell, dass auch weitergehende Menschen alles mitbekommen und trotzdem langsam genug, dass man es überhaupt verstehen kann. ?Meiner Erfahrung nach bleiben 90% der Menschen jetzt erst einmal stehen.
Dann erzähle ich kurz, worum es bei meinem Projekt geht und warum ich ausgerechnet sie dafür begeistern will. Ein treffendes, ehrliches Kompliment kommt immer gut an. ?Ich erkläre, dass ich zwei Bilder mache. Ein nahes Portrait und eine Ganzkörperaufnahme, dazu zeige ich ihnen die zwei Fotos der letzten Person auf der Kamera, was alle restlichen Zweifel verschwinden lässt.
Ich erkläre, dass das Bild auf meinem Blog und Facebook zu sehen sein wird, gebe der Person eine kleine Karte mit den Links und mache klar, dass ich das Bild umgehend lösche, falls es ihnen nicht gefällt.
Es bleiben etwa 15 Sekunden, um die beiden Bilder zu machen und sie der Person zu zeigen. Dann verabschiede ich mich mit einem Danke von meist zufrieden lächelnden Menschen.
??Welche Menschen spreche ich an?
Generell spreche ich Menschen an, die auf irgendeine Art und Weise aus der Masse herausstechen. Meistens ködern mich hierbei Haare und Kleidungsstil, aber auch besondere Gesichter oder ein tolles Lachen.
Natürlich frage ich niemanden, der durch etwas heraussticht, auf das er ganz sicher nicht angesprochen werden will. ?Man muss eine gewisse Sensibilität entwickeln. Oder besser: Sie entwickelt sich von ganz allein.
Ich frage am liebsten Menschen, die allein oder in Gruppen von mehr als zwei Personen unterwegs sind. Das haben mich unangenehme Zwischenfälle gelehrt: Wenn ich bei einem jungen Pärchen den Mann frage, durchbohrt mich seine Freundin mit bösen Blicken.
Frage ich zwei Freundinnen, steht das zweite Mädchen verkrampft lächeln daneben und schaut auf ihre Füße. Oder, noch schlimmer, das erste Mädchen schlägt vor, das andere Mädchen auch ins Projekt aufzunehmen und ich muss mich erklären.
Natürlich könnte mir das egal sein, aber ich möchte, dass die Menschen durch mich eher ein positives als ein negatives Erlebnis haben. ??Es ist wesentlich einfacher, Menschen in meinem Alter zu überzeugen und schwerer, je älter die Person ist. Teilweise, weil diese sich selbst nicht schön genug für ein Foto halten, aber auch, weil sie viel misstrauischer sind.
Man neigt dazu, es sich leicht zu machen, aber es hat sich gezeigt, dass es sich sehr lohnt, auch immer wieder ältere Menschen anzusprechen.
Warum liebe ich dieses Projekt?
Weil ich viel gelernt habe und immer noch lerne. Über meine Kamera, die Fotografie, aber auch über mich selbst. Darüber, wie man Menschen anspricht und wie man schnell ein gutes Portrait macht.
Außerdem macht es Spaß, sich in den Strom von Menschen zu stellen und alles zu beobachten. Es macht Spaß zu sehen, wie sich das Leben zweier Menschen für ein paar Minuten überschneidet und ich werde für immer ein Erinnerungsfoto zu jeder dieser Begegnungen haben.
Mit einigen meiner Stranger habe ich mich länger unterhalten und ich denke oft an diese Gespräche zurück. Manchmal bin ich fast ein wenig traurig, dass ich ihren Namen nicht kenne und sie wahrscheinlich nie wieder sehen werde.
Das Wichtigste ist jedoch, dass das Projekt glücklich macht. Es ist toll zu sehen, wie sehr sich viele der Angesprochenen freuen. Gerade ältere Leute sagen mir oft, wie überrascht sie sind, dass sie jemand schön findet oder überhaupt wahrnimmt.
Es gäbe zu jedem dieser Bilder eine Geschichte zu erzählen, aber das würde dieses Format sprengen – und ist es nicht viel spannender, seine eigenen Stranger-Geschichten zu erleben?
Am 8. Juni 2012 habe ich meinen hundertsten Stranger fotografiert und in derselben Sekunde entschieden, das Projekt ganz schnell von „100 Strangers“ in „1001 Strangers“ umzubenennen. Dieses Projekt macht zu viel Spaß, um je zu enden.
Es ist schwer, den Einstieg in die Bilder des belgischen Künstlers Marcin Owczarek zu finden, selbst wenn man Fotomanipulationen und Collagen grundsätzlich aufgeschlossen gegenüber steht. Es treten auf: Meschen mit Tierköpfen, verschiedene, sich überlagernde Bauwerke, seltsame Figuren. Nicht selten wimmeln Bilder von verschiedenen, einzelnen Elementen.
Marcin hat seine Arbeiten schon in verschiedenen Ländern ausgestellt.
Mit siebzehn Jahren habe ich meine Liebe zur Kunst entdeckt und zum ersten Mal Collagen gemacht. Ich erinnere mich, aus Zeitungen verschiedene Sachen ausgeschnitten zu haben. Seitdem folge ich gewissermaßen dem ‚Pfad der Kunst‘ und suche nach dem besten Medium, um mich auszudrücken. Ich habe einige Zeit nach den Collagen auch mit Malerei und Skulpturen angefangen und nach vielen Experimenten dann zur Fotografie gefunden.
So der aus Polen stammende Marcin, der am College of Photography in Wroclaw diese Form des künstlerischen Ausdrucks schließlich auch studiert und später noch in Kulturanthropologie einen Abschluss gemacht hat. Man merkt seinen Arbeiten an, dass sie stark symbolisch aufgeladen sind. Sehr viele Tierfiguren und Menschen mit verfremdeten Köpfen durchziehen die Bilder, die vor allem in schwarzweiß gehalten sind.
Seit 2011 macht Marcin schließlich nur noch digitale Fotografie und fängt an, mit dem Computer zu arbeiten. Die Collagen und Malerei, so betont er, waren aber notwendig, um dorthin zu kommen, wo er momentan arbeitet. Die Bilder sind in vielerlei Hinsicht digitale Collagen, die aus verschiedenen Stücken Fotografie zusammengestellt sind:
„Für meine Bilder brauche ich sehr viele verschiedene Fotos, die alle in einem Bild zusammengemischt werden. Ich reise so viel, wie ich kann, um die Bilder zusammenzubekommen.“
Ein Problem damit, auch Stockfotos zu verwenden, hat der 27-Jährige dabei aber nicht: „Wenn ich mal ein Bild brauche, das ich selbst nicht machen kann, dann habe ich kein ethisches oder moralisches Problem damit, Stockbilder mit einzubauen. Ich nehme Teile davon, ich verzerre sie und packe sie in neue Kontexte – sie sehen völlig anders aus als vorher. Aber lieber arbeite ich schon mit meinen eigenen Bildern.“
Interessant ist bei solchen Fotomanipulationen immer der technische Entstehungsprozess. Marcin besteht darauf, dass sein Herumreisen dafür immer der erste Schritt ist. Dort findet er Inspiration und vor allem viele kleine Details und Bilder, die er später weiterverarbeitet. Die Arbeiten sind so gewissermaßen auch Collagen seiner Reiseeindrücke, auf denen er erste Skizzen und Ideen anfertigt.
Aber: „Die großen Bilder können schon mal Wochen dauern, bis sie fertig sind.“
Dabei entstehen vor allen verschiedene Serien und große Triptycha, die sich durch Farben und Themenwelten unterschieden, aber immer die Handschrift von Marcin Owczarek tragen, der sich gegen Zuordnungen seines Stils wehrt:
„Ich mag keine Labels. Ich respektiere jede einzelne Ausdrucksweise des menschlichen Geistes und es ist mir egal, wie man es nennt. Ich zeige zwar Fotomanipulationen, aber eigentlich denke ich, ich mache Fotografie. Rein technisch wurden meine Bilder mit Licht und Kameras gemacht, also ist es für mich Fotografie. Im Grunde kommt es immer nur darauf an, ob das Bild am Ende bedeutsam ist.“
Was genau aber sagen die Bilder jetzt, abseits vom rein ästetischen Wert, Menschen mit Tierköpfen zu zeigen, wie die klassischen Surrealisten? Es wird ein bisschen unscharf: „Es gibt da einen wichtigen Aspekt in meinen Bildern – die symbolische Ebene. Wenn ich etwa Bilder oder Monumente benutze, dann haben diese Elemente eine historische, metaphorische oder symbolische Bedeutung. Ich überlege gut, bevor ich ein neues Bild anfange.“
So bleibt es am Ende dem Betrachter doch selbst überlassen, wie er die Bilder von Marcin Owczarek liest oder welchen Elementen er welche Bedeutung zumisst – oder ob er sie doch nur einfach aufgrund der Freunde an der Betrachtung anguckt. Sehenswert sind sie in jedem Fall.
Pre-dawn light rises over the iconic Yosemite Valley granite formations of El Capitan and Half Dome
Yosemite Sunrise
I was revisiting some old film scans from several years ago thanks to a client request and rediscovered this photo. Slide film isn’t very forgiving in regard to dynamic range, but I always liked the contrasty nature of this photo. It was taken on a cold snowy winter morning well before sunrise. Taking a long exposure allowed for the faint color in the sky to register quite strongly which I always thought was quite striking.
Copyright Jim M. Goldstein, All Rights Reserved
Yosemite Sunrise (Revisited)
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Kunst-am-Bau-Projekte sind für Künstler keine alltäglichen Aufträge. Sie kommen selten vor und sind oft Herausforderungen. Nach einer Reihe von Malereien im architektonischen Kontext kam dabei im Jahr 2009 für mich zum ersten Mal die Fotografie zum Zuge. Dieses Projekt und die Arbeit daran möchte ich hier vorstellen.
Kals ist ein kleines Bergdorf in Osttirol an der Südseite von Österreichs höchstem Berg, dem Großglockner. Es ist für viele Bergsteiger der Ausgangspunkt für einige wichtige Anstiegsrouten auf diesen Berg, der ebenso beliebt wie unterschätzt ist und zahlreiche Opfer gefordert hat. Auf dem Kalser Friedhof gibt es deshalb schon lange eine Gedenkstätte für jene Alpinisten, die nicht mehr von diesem Berg zurückgekehrt sind.
Seit einigen Jahren arbeitet die Gemeinde Kals an einer Modernisierung ihres Ortsbildes und geht dabei für ein Bergbauerndorf ungewöhnlich mutige und offene Wege, die mittlerweile mit Architekturpreisen bedacht werden. Im Zuge dieser Veränderungen sollte im Sommer 2009 auch jene Gedenkstätte am Friedhof komplett neu gestaltet werden.
Ich bin mit der Gemeinde ins Gespräch gekommen, als dieses Bauprojekt bereits weit fortgeschritten war. In der offenen Halle der Gedenkstätte war ein großes Panoramabild geplant, bei dem allerdings noch unklar war, wie es realisiert werden sollte.
Seit vielen Jahren gibt es die Fotografie als zweite Disziplin in meinem künstlerischen Schaffen. Ich bearbeite damit mein Generalthema, die Hochgebirgslandschaft, von zwei Seiten her und stelle diese Arbeiten auch gemeinsam aus.
Ich komme nicht von der klassischen Fotografie, sondern begreife sie viel mehr von der malerischen Seite her und habe im Gegensatz zur Bresson’schen Herausforderung, mit einem fixen Format umzugehen, nach einem Weg gesucht, die freie Wahl der Bildproportionen, die ich als Maler ja gewöhnt bin, hier auch zu haben.
Weil ich große Arbeiten machen wollte, statt Bilder zu beschneiden, habe ich mir früh schon Montagetechniken erarbeitet, die zum Beispiel in der Panoramafotografie benutzt werden. Mit den Reihen und Spalten meiner Aufnahmeraster bestimme ich die Bildproportion frei vor Ort und bekomme damit gleichzeitig eine Bildgröße zusammen, mit der ich auch sehr großformatige Arbeiten ohne jede Vergrößerung produzieren kann.
Vor diesem Hintergrund meines Schaffens hat mich die Gemeinde dann für das Projekt mit der Aufnahme einer Landschaft beauftragt, die den Großglockner im letzten Sonnenlicht zeigen sollte.
Die Endversion war auf ein Format von 415 x 60 cm festgelegt, denn die vorgesehene Bildnische war schon fertig betoniert. Trotz der Größe musste die Fotografie in Leseentfernung scharf sein. Die Betrachter sollten die Aufstiege nachvollziehen können und Nachfahren oder Angehörige auf dem Bild in der Gedenkstätte jene Plätze ausmachen können, an denen die Alpinisten umgekommen sind.
Mehrere Wochen sind dann für die genaue Planung, die Berechnung von Bildwinkel, Aufnahmestandort, Sonnenstand, Dämmerungsphasen, den besten Zeitfenstern und der Auswahl der nötigen Hardware vergangen.
Viel Zeit habe ich aber auch mit dem Nachdenken über den Charakter und die Würde eines solchen Gedenkortes verbracht. Ich war froh, auf Erfahrungen mit einem sakralen Projekt, einem Altarbild zurückgreifen zu können, bei dem es ebenfalls darum ging, ein stimmiges Bild für einen Raum, seine Architektur und seine spirituelle Funktion zu finden.
Ende September 2009 zeichnete sich eine halbwegs brauchbare Schönwetterperiode ab und ich konnte endlich für die Aufnahmen von Wien in die Hohen Tauern fahren. Für insgesamt vier Sessions – je zwei am Abend und zwei am Morgen für eventuelle Alternativen, falls die Abendlandschaften nicht zufriedenstellend ausfallen sollten – habe ich mich auf einer Seilbahnbergstation auf knapp über 2.600 Metern Höhe einquartiert.
Vor Ort habe ich die Zeiten von morgens 4 bis 9 Uhr und von 6 bis 9 Uhr am Abend verbracht – viele sehr stille und teilweise eiskalte Stunden hinter der Kamera, eine unvergessliche Zeit.
Entstanden sind dort oben Aufnahmereihen mit Tausenden von Bildern, die dann später im Atelier mit Lightroom gesichtet, grob bearbeitet und für Vormontagen sortiert wurden. Von diesen Vormontagen sind letztlich zehn Versionen in einer engeren Auswahl übrig geblieben. Diese Auswahl habe ich der Gemeinde und den Architekten dann online vorgelegt, eine Variante davon bereits in voller Auflösung.
Nach der Entscheidungsphase ist es eine Montage aus mehreren Teilen verschiedener Aufnahmereihen geworden. Ich habe den Aufnahmepunkt am Boden markiert und die Stativhöhe vermessen, damit in einem solchen Fall die Aufnahmen pixelgenau deckungsgleich sind.
Wegen der geforderten sehr hohen Auflösung musste ich während der Montage und Bildbearbeitung riesige Datenmengen bewegen. Zwischenzeitlich war die Photoshop-Datei weit über 10 GB groß. Retusche beispielsweise funktioniert dann in vernünftiger Geschwindigkeit nur noch auf auskopierten Bildteilen, die nach der Bearbeitung wieder eingefügt werden.
Die fertige Arbeit wurde nach der Abnahme durch die Gemeinde spiegelverkehrt auf die Rückseite einer Glasplatte gedruckt, um die Fotografie nachts mit LED-Panels von hinten beleuchten zu können. Gedruckt wurde mit UV-beständiger Tinte in sieben Farben und weiß, damit die hellen Bildteile nicht transparent werden.
Die Fotografie bildet nun ein Ensemble mit drei Glasstelen, auf denen die Namen aller Bergsteiger verzeichnet sind, die auf der Tiroler Seite des Großglockners umgekommenen sind und auf denen Gedanken zum Bergsteigen und zum Tod zu lesen sind. Besonders nachts ergibt das leuchtende Gebirgsbild zusammen mit den Grabkreuzen eine eigenartige Stimmung auf dem Friedhof.
Für mich persönlich ist dieses Projekt etwas ganz Besonderes. Ich habe mich nie zuvor so lange mit einer einzelnen Fotografie beschäftigt. Auch gibt es hier anders als bei einem Buch oder der Ausgabe eines Fotos im Druck oder elektronisch ein nachhaltiges physisches Werk, das sozusagen öffentlich und in Wind und Wetter lebt.
Ein interaktives Panorama von der Gedenkstätte gibt den räumlichen Zusammenhang auf dem neu gestalteten Friedhof sehr gut wieder.
We thought about actually cloning ourselves, which would be awesome in so many ways. 
First, find the scene you want to photograph. 
Place your model in the scene. 
With your camera on a tripod, get ready to take your first photo. 
The important thing here is to make sure your model is the only thing that moves in the scene.
Place your model in a third part of the scene.
Once you have made your exposures, it’s time to put them on the computer.
Starting with the second image from your series, select the entire image.
Now, looking at your image, the photo you just pasted is Layer 1. Your first image is the “Background”.
Set your eraser to a pretty decent size to start with.
When using a layer mask, it’s okay to make a mistake.
Repeat steps 7-10 for your third image. 
It’s always important to save your work as you go along.
Once you’re satisfied with your photo, save your final version as a jpg.
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