Ein Beitrag von: Thomas Lieser
kwerfeldein – Fotografie Magazin
Archive for the ‘Equipment’ Category
16. Mai 2013
16
May
How Street Photography Can Turn into Astrophotography
16
May
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Those Star Trek special effects guys are going to feel pret-ty foolish when they find out about Adam Kennedy.
Turns out you don’t need years of computer-generated image training to create breathtakingly detailed alien planets.
Adam finds his planets on the street! Fire hydrants, my friends.
He photographs, the rusted, peeling spheres that sit atop fire hydrants and edits them into wonderfully awe-inspiring habitats.
The best part about Adam’s planet project is that it started with a single imaginative thought.
It’s what inspires street art, photographers, and artists of every kind.
So the next time you think, hey that thing looks like that other thing, you know exactly what to do.
(Make art!)
Planets Made Out of Fire Hydrants
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Die Hügel aus denen Träume gemacht sind
15
May
Ich wusste sofort, dass der erste Fotograf, den ich hier vorstellen würde, Matt Hill sein sollte. Wer weiß, dass ich verliebt in die Portraitfotografie bin, wird sich wundern, denn Matt Hill begeistert nicht vorwiegend mit Bildern von Menschen. Sondern mit Bildern von Hügeln. Aber wozu heißt man denn sonst auch „Hill“?
Es gibt unzählige Landschaftsaufnahmen, die mich staunen lassen, die ich bewundere und wunderschön finde, aber nie nehmen sie mich mit in eine vergleichbare Traumwelt, wie Matt es mit seinen Bildern kann.
Und er braucht dazu keinen weißen Sandstrand, keinen glasklaren See und keinen Märchenwald. Gerade die Einfachheit in seinen Bildern lässt so viel Platz zum Träumen. Im Gegensatz zu den meisten Landschaftsaufnahmen bestechen seine nicht durch ihre Klarheit. Sie sind sanft und verträumt und wirken wie aus einer anderen Zeit.
Erst durch die Vorbereitung zu diesem Artikel ist mir wirklich aufgefallen, wie „perfekt“ viele Landschaftsfotografien sind, die wir täglich sehen. Das macht sie zu wunderschönen Bildern, aber nimmt ihnen, in meinen Augen, einen Teil ihres Charakters und ihrer Lebendigkeit.
Außerdem zeigt Matt uns keine utopisch anmutenden Bilder von einem scheinbaren Paradies, sondern eher die Orte, an denen Abenteuer stattfinden, an denen Autoren große Geschichten schreiben und an denen von selbst leise Filmmusik im Hintergrund läuft.
Seine Bilder fühlen sich an wie in Vergessenheit geratene Erinnerungen. Sie sind so glaubhaft, dass ich mich nicht wundern würde, wenn der Nebel im Bild sich plötzlich bewegte und ich bemerkte, dass ich vor der Farm der Hills sitze.
Habe ich früher noch von Stränden in Australien geträumt, ist es heute eine kleine Farm im Snowdonia National Park in Nordwales. Ich glaube, eines Tages muss ich Matt besuchen gehen und bei einer Tasse gutem Tee auf einem Hügel sitzen, den Wildpferden und dem Nebel beim Vorüberziehen durch diese Traumlandschaften zusehen.
Vielleicht nimmt er mich mit, wenn er wieder einmal mit seinen Freunden und seiner Kamera durch die Hügel zieht, an einem kleinen See zeltet und scheinbar ganz beiläufig ein paar Aufnahmen macht.
Wahrscheinlich liebe ich Matts Bilder deshalb so sehr, weil sie nicht wie Landschaftsaufnahmen wirken, sondern wie Portraits von Orten. Er scheint auf seine Umgebung einzugehen, wie man es mit Menschen tun muss, damit sie sich öffnen und ihr wahres Gesicht zeigen. Für mich haben diese Bilder einen Charakter, verkörpern eine Stimmung und genau deshalb komme ich immer wieder und lasse mich in ihren Bann ziehen.
kwerfeldein – Fotografie Magazin
Make Time and Create Networks to Develop Your Photography
15
May
Photography: Bruce Myren
Full time professional photographers complain about the competition from enthusiasts who don’t count their overheads. They worry about finding their next client, spend more time than they’d like on paperwork and marketing, and if they’re being honest, they’ll admit that not all jobs are equally exciting. But they still have one big advantage over enthusiasts: they get to take a lot of pictures. They get to hone their skills, they’re paid to build their experience and even if they’re not taking photos, they’re working with photography. By the time they hang up their camera for the last time, they can be confident that they’ll have had every opportunity to become as good a photographer as they’re ever going to be.
That’s not true for enthusiasts. People who work full-time and cram their picture-taking into their weekends and evenings have to battle to find the hours they need to improve their skills. There never seems to be enough time for photography tours and road trips. And as for building the kind of long-term personal projects that interest galleries and build a name as an artist, they can drag on through years of occasional weekends — if they ever start. There are things though that anyone can do — both professionals and amateurs — to keep their skills developing and to move their photography in the direction they want it to go.
Create Time and Make It Solid
The number of hours in the day are limited and when you fill it with an eight or nine-hour workday, take away sleep and time with the family, you can start to wonder how you ever find time to eat, let alone practice photography. But it is possible to arrange your schedule and use your calendar to create gaps for picture taking.
Bruce Myren, for example, is an adjunct professor of photography at the Art Institute of Boston at Lesley University, a job which should keep him in touch with imagery. Teaching as many as five classes each semester, though, makes finding time for personal projects no easier than for anyone working a full-time job.
“It is always a juggling act to find time to prep for teaching, doing freelance work, getting to the studio, and going out to make pictures,” he says.
Myren’s solution is to schedule one day each week as a studio day. He writes the day into his calendar so that it looks as real as any other appointment. While he doesn’t always make it there, he does try.
“The more I adhere to this the happier I am,” he says.
For people who don’t work in photography, scheduling an entire day in the studio is a little harder but it may be possible to schedule a couple of hours on a Sunday afternoon or an hour as soon as you get back from work. Like Bruce, you might find that family commitments and sudden work crushes mean that you don’t always make it, but if you can work your photography into your routine — instead of picking up a camera whenever you feel like it — you should find that it’s a habit that’s hard to break.
Network Now So That Supporters Know What You’re Doing
Scheduling time to take pictures will help to sharpen your skills and build your project. But you also want people to see those photos once you’ve created and edited them. Putting them online is easy enough and will give you some form of audience but no website is as prestigious or as rewarding as a photography book that people buy and enjoy or an exhibition of your photos that people can browse and admire.
Photography: Bruce Myren
That requires building a platform before you publish your photos. You need to have people ready, waiting and keen to see your photos as soon as they come out.
Photography classes will give you access to a teacher’s network of gallery owners and editors. Visiting galleries can provide an opportunity to talk to staff, get to know them and their taste in photography — and make sure they know about you and your work. But even online networking can yield benefits too. Let family and friends know about your personal project. Build connections with other photographers and with people who have an interest in the subject of your images. Those connections will prove valuable when your pictures are ready to be seen.
Raise the Funds That Will Let You Shoot What You Want
And they’ll also prove valuable when you’re looking to fund your projects. When Bruce Myren turned to Kickstarter to fund a collection of images shot along the fortieth parallel, he was able to turn to friends and family on Facebook for the money and to ask them to share news of the project with their friends. He describes himself as “shameless” in his willingness to send direct tweets to companies he thought might be receptive and he had also built up a large email list over the last few years as he promoted his other work around Boston and the country. Having put together the promotional video and written up his campaign, he had all the sourcing funds he needed already in place to pay for his trip across the United States.
Altogether, Myren estimated he’d need around $ 15,000 to complete his project. He asked for $ 10,000, made that amount by the end of the first week and went on to collect $ 17,860.
“To be successful, you need to do your homework, plan everything out, account for contingencies, and remember that you did not think of everything,” says Myren. “It is a well-prepared person that can capitalize on an opportunity as it comes by.”
Bruce Myren describes himself as an artist and photographer. He’s had a long list of exhibitions and his work is noticed. But even he struggles to find the time and the money to shoot what he wants and to keep developing as a photographer. His solution, a mixture of scheduling and networking building, is one that can be used by all photographers, time-strapped enthusiasts and professionals alike.
Photopreneur – Make Money Selling Your Photos
Keep Track of Your Life Through Photos with the Days App
14
May
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You had a journal once.
Then, your little sister found it and told your crush all about your dreams of running away to Disneyland to fulfill your dream of meeting Ariel IRL.
That was embarrassing.
Days is totally not that. It’s a journal (disguised as an iOS app) that you’ll *want* to share with friends.
The goal behind the app is to have you document your life in photos as it happens.
Shoot photos throughout the day, and publish your post of photos the following day in a visually delightful grid of time-stamped pics.
How the heck is this different from Instagram? So many ways. Cool ways, too.
- You can’t upload photos. Your photo must be taken at that very moment.
- No filters. Just pure, raw, unadulterated snaps.
- GIFs! You can make real life, honest-to-blog moving images.
- The interface is so adorable, you’ll want to break something.
Documenting your life is so much more fun in photos, and your little sis won’t have any ammo against you. Win.
Photograph Your Days with Days
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Essay: Fotografie geht nicht allein
14
May
Eine Selbstoffenbarung: „Ich bin abhängig. Ich kann nicht ohne. Allein kann ich gar nichts.“ Ein Aussage, wie sie meines Erachtens fast jeder Fotograf unterschreiben könnte. Warum das so ist, möchte ich Euch im folgenden Artikel erklären.
Egal, was fotografiert wird: Immer finden sich im Bild Elemente, die nicht dem Geiste des Fotografen entsprungen sind. Eine Ausnahme wären lediglich Selbstportraits ohne erkennbaren Hintergrund. Ansonsten sind es Landschaften, Portraits, Stillleben und viele andere Dinge, die nur noch vom Fotografen eingefangen werden müssen.
Das schöne Landschaftsfoto würde es ohne eine von der Natur (und anderen Menschen) erschaffene Landschaft nicht geben. Ein Straßenfoto ist immer eine Kooperation, auch wenn sie ungewollt ist. Das Portrait ist die deutlichste Form der Kooperation, die Abhängigkeit zwischen Fotograf und Motiv ist hier besonders ausgeprägt.
Guckt Euch an dieser Stellte doch einfach mal Eure besten Fotos an und fragt Euch, ob Ihr vollkommen allein dafür verantwortlich gewesen seid oder ob Ihr von irgendetwas profitiert habt.
Ein Bauwerk hat in der Regel jemand anderes errichtet. Auf das Antlitz einer portraitierten Person hat der Fotograf auch keinen absoluten Einfluss. Obgleich er Mimik und Gestik mittels Anweisungen vorgeben kann, ist er dennoch auf die Bereitschaft der Person, dies umzusetzen, angewiesen. Und so könnte man noch viele andere Dinge aufzählen, die ein Fotograf als vorhandene Basis nutzt, um daraus eine Fotografie entstehen zu lassen.
Im Ganzen betrachtet, steht der Fotograf also immer in einer Abhängigkeit zum Motiv. Er kann sich nur durch seine Fähigkeiten, es durch Komposition, Belichtung, Fokus und so weiter in Szene zu setzen, auszeichnen.
Somit macht es eigentlich wenig Sinn, ein Foto zu signieren, da es nicht das alleinige Werk ist. Hypothetisch betrachtet: Man würde das Abfotografieren eines Kunstwerkes auch nicht durch ein Wasserzeichen als eigenes Werk kenntlich machen. Falls doch, hat die Wahrnehmung des eigenen Schaffens ihren Tiefpunkt erreicht.
Wie schwierig diese Trennung sein kann, zeigt sich bei Fotos der Menschenplastiken des Künstlers Ron Mueck. Hier kann das Foto einer Skulptur auch schon einmal als ein fotografisches Portrait durchgehen.
Das ist natürlich etwas überspitzt betrachtet und es wäre schade darum, wenn keiner mehr seine Fotos signieren würde, da man gar nicht mehr wüsste, von wem die Arbeit stammt. Ich bin jedenfalls immer dankbar für einen leisen Hinweis auf den Urheber.
Mittlerweile ist es auch üblich, die Namen von Modellen, Visagisten, Stylisten und weiteren Beteiligten mit zu veröffentlichen, allerdings geschieht dies meist nur in den Communities und auf den Webseiten der Fotografen. Museen und Verlagshäuser hat diese Verfahrensweise meines Wissens noch nicht erreicht.
Fotografie als Kunstform möchte ich durch meine Gedankengänge aber nicht in Frage stellen, wobei es viele bekannte Künstler wie etwa Jeff Wall oder Gregory Crewdson gibt, die bei ihren Arbeiten auf andere Personen angewiesen waren. Auch Andreas Gursky nutzt für die Nachbearbeitung seiner Bilder die Hilfe eines Bildbearbeiters.
Manchmal ist Fotografie halt wie ein Film, nur dass es dabei keinen Abspann mit den beteiligten Personen gibt.
kwerfeldein – Fotografie Magazin
Bildvorstellung: The Rise
13
May
Das Bild, das ich vorstellen möchte, zeigt eine Ansammlung von Blättern, die langsam vertrocknen und dabei durch irgendeine Kraft so angeordnet wurden, dass sie eine fremdartige Skulptur ergeben. Ich erinnere mich noch sehr genau daran, wie sehr ich mich darüber gefreut hatte, diese Struktur zu entdecken.
Ich weiß bis heute nicht, ob sie als Ganzes Teil einer Pflanze war oder ob der Wind und die Naturkräfte sie dort einfach neben einer Hecke so arrangiert hatten. Die ganze Fototour an diesem Tag entstand aus einem Experiment: Ich wollte an einen Ort fahren, an dem ich normalerweise keine Bilder machen würde und dort nach Dingen suchen, die es zu fotografieren gibt. Mein Auge dafür schulen, Motive zu finden und festzuhalten.
„The Rise“ ist im Anschluss Teil einer ganzen Serie geworden, die bis heute noch weiter wächst (sic!). Während die meisten Naturfotografen, die ich kenne, im Frühling und Sommer ihre Kameras auspacken und wild nach draußen laufen, um Blümchenbilder zu machen (was ich natürlich auch tue), habe ich mir angewöhnt, meinen Schwerpunkt auf den Herbst und den Anfang des Jahres zu setzen.
Ich gehe dann in Parks, in den Wald und einfach an irgendeinen Ort, an dem Pflanzen wachsen und beobachte, was passiert, wenn die Blätter von den Bäumen fallen, die Blumen verwelken, die Blüten langsam verblühen oder wie die Flora aussieht, wenn sie nach dem Winter wieder aus der Schneedecke hervorkriecht. Ich versuche, diese ganz eigentümlichen Formen des Verfalls einzufangen, die meiner Meinung nach nicht weniger beeindruckend als die Blütezeit sind und zusätzlich viel ungewöhnlicher wirken, weil man sie nicht so oft auf Fotos vorgeführt bekommt.
Die Bearbeitung und die Technik, die hinter „The Rise“ stehen, sind nicht groß der Rede wert. Es ist technisch auch gar kein gutes Makrofoto, denn heute würde ich wohl die Spitze mit in den Fokus nehmen. Ich sah das Bild schon in schwarzweiß, als ich es aufnahm und habe es mit meiner üblichen Schwarzweißkonvertierung bearbeitet. Diese ist sehr stark darauf ausgelegt, die Details hervorzuheben und auch die Kontraste zu verstärken. Zusätzlich habe ich ihm einen leichten Sepia-Ton und eine Körnung für einen analogeren Look gegeben. Es verstärkt den Effekt, es hier mit einer Art abstrakten Installation zu tun zu haben.
Auf Facebook schrieb ich unter das dazugehörige Album, in das ich neue Bilder aus der Reihe oft hochlade, den Satz „Ich sehe tote Pflanzen“. Eine Anspielung auf einen Film, die eigentlich zunächst nur als spontaner Witz über mein eigenes Projekt gemeint war – Witze über sich selbst machen zu können, ist eine sehr wichtige Eigenschaft, glaube ich.
Je länger ich über den Satz nachdenke, desto besser beschreibt er aber doch genau, was das Projekt und das Bild sagen wollen: Als Fotograf die Dinge zu sehen versuchen, die sonst nicht gesehen werden, seinen ganz eigenen Blick auf die Welt zeigen.
Der Tag, an dem ich das Bild „The Rise“ und die ersten anderen Fotos aus der Reihe aufnahm, war ein grauer Herbsttag im Oktober. Ich lief durch das Industriegebiet der Stadt, in der ich damals wohnte und machte Bilder von einem kargen Gestrüpp, als ein älterer Passant an mir vorbeilief, mein Treiben beobachtete und fragte: „Was bilden Sie denn da ab? Da ist doch nichts.“
Genau dieses Nichts, das im normalen Kontext Nicht-Wahrgenommene will ich mit der Reihe einfangen, denn ihm wohnt meiner Meinung nach eine sehr fremdartige Schönheit inne. Pflanzen wissen, wie man elegant stirbt.
kwerfeldein – Fotografie Magazin
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