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The Day The Judging Stopped – The Mediocrity of Photography

25 Jun

One of the most difficult topics to discuss about photography and many other art forms is creativity. Creativity is an intangible that often isn’t recognized until it’s seen and often appreciated until the artist has passed. This is one of the many reasons creativity isn’t discussed as much as gear. The tangible is always easier to grasp and has finite boundaries of understanding, where as creativity is amorphous and tough to pin down due to its variability from person to person. Complicating this in the world of photography is the lowering of barriers to make photography easy and accessible to everyone. While this is great for most it really ruffles the feathers of long time photographers and in some aspects rightly so. Creativity is often lost on those obsessing on gear stats, subject location, exposure settings, machine gunning photo after photo and comments/likes. Rightly or wrongly it’s tough to hear and see cranky old photographers complain about how it IS versus how it USED TO BE. Case and point this recent article, Humanity takes millions of photos every day. Why are most so forgettable?

Slow vs Internet Speed
If you come across a film photographer these days you’ll never hear a complaint about the process being slow. Film photographers, those that are remaining, love the slow process as its methodical, allows for contemplation & thought before executing a photograph. Digital photographers that use DSLRs and mobile devices by contrast shoot and share at lightning speed. Given that the methodologies of these two camps are so different it’s no surprise there is often philosophical friction.

Story Telling & Narcissism
While these two camps operate so differently is it really realistic that one camp should expect the other to think the way the other does?

Good pictures that tell a story, he said (Larry Towell, a member of Magnum Photos), are always about other people. But when “everybody with a phone thinks they’re a photographer,” the result is “the autobiographical and the narcissistic.”

Mr. Towell’s grandparents used to have their picture taken once a year, and they had to dress up and go into town to have it done. He cherishes those photographs today. They are a record of what was. But he fears that his granddaughters won’t have any memorable photographs of their own children: They will be lost in the technological deluge.

“People aren’t photographing for history any more. It’s for immediate gratification. If you’re photographing to share an image, you’re not photographing to keep it.”

This is the part of the Humanity takes millions… article that baffles me. I straddle both sides on this one. I have thousands of photos on my iPhone. They’re a great way to document a moment and share it with others via online tools that didn’t exist years ago. In fact I tell stories with these photos more frequently than I do with photos from my DSLR (ex. 4 months of triptychs on Instagram). The upside is great new tools (iPhones, mobile apps for editing and social media web sites) allow me to communicate in ways unimaginable years ago. The downside which I hear, read about and often struggle with is not living in the moment and living behind an iPhone and DSLR. And true people don’t print photos like they used to, but its not the only way to share a photo now either.

One of the more interesting things I’ve observed since I’ve begun sharing DSLR images and mobile images online is that the images that garner the most attention are the those that reflect the life experience of the photographer whether they’re behind the scenes photos of a shoot or sharing spontaneous moments of one’s life. And yes the majority of these types of images are now taken with mobile devices to create a new form of story telling. That being said I still love taking more time with my DSLR to capture images that also tell a story.

Judge Hissy Fit
Should any of us be alarmed that that 3 judges decided to abstain from making any awards in a recent photo contest? I find it interesting, but its certainly not going to change my outlook on my photography. Contests are great for bragging rights, but they don’t really help you improve as a photographer. Not to take anything away from anyone who has won a contest, but having been a judge on multi-judge panel I can tell you that no 3 people like the same things and as a result winners are often compromises. As a result that means the best images aren’t always the ones that win.

So what went wrong at the 2013 Banff Mountain Photography Competition? Did photographers not read the rules and ignore the “photo essay” emphasis? Did photographers rely on photoshop too much? Were there photos truly uninspired or unedited? Did the judges have an unrealistic expectation and unbending view of photography? I’m sure it was all of the above to some degree. Still if I were an entrant I’d look at the contest in a much more skeptical light. At $ 10 an entry I’m sure they made a pretty penny from all the entries and it’s convenient that their $ 3000 grand prize won’t be awarded. Frankly if the organizers can’t guide their judges to follow their own rules it tarnishes their contest and erodes the trust of photographers who take part. In reviewing their rules there isn’t anything said about entries being non-refundable and given no award was granted I wonder if anyone will start demanding a refund. Either way it’s unfortunate that the judges decided to railroad the competition to make a statement versus awarding the best of the entries even if they didn’t think they were the best that could have been.

Creative Catalysts
Here lies some grounding news… for most photographers just starting out you do suck. If you’re pretty good now at photography at one point you sucked and you just suck a little less. If you’re great at photography now you sucked a lot and still suck from time to time, but you stuck with it to be great. If you’re a master photographer you suck at times just less than most, but you know what not to show. All photographers have one thing in common, at one point you sucked. Case and point This is Why Your Pictures Suck. by Ibarionex Perello

How do you suck less? Practice, devotion, tenacity and not biting on the fact that some judge, expert or critic is always right. Find things that inspire you, as inspiration is a catalyst to developing your unique creative outlook. Don’t fret over originality as Originality Is A Matter of Perspective. Get inspired, get comfortable in your own skin and find yourself. It may take a lifetime, but the creative journey will be worth it.

Fantasy vs Reality… Oh the Irony
The flip-side of the coin is just as amusing as mobile photographers also have their gripes. Video, it’s tarnishing the magic of still photography by making things too real! When I read Instagram Video and the Death of Fantasy it gave me a chuckle because it crystalized the fact that no camp of photography is ever truly happy. I’d argue that if anything is keeping photography mediocre it’s photographers inability to focus on their work and spending too much time complaining. *Looking at the time* Oh my how much time did I spend writing this?!

The Day The Judging Stopped – The Mediocrity of Photography

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Marathon

25 Jun

Ein Beitrag von: Jürgen Bürgin

Die Welt des Langstreckenlaufens blieb mir Zeit meines Lebens fremd. Ich war dem Schmerz nie zugetan und die Beglückungen des oft kolportierten Adrenalinrauschs blieben mir stets versagt. Das erste Mal, dass Langstreckenläufe dennoch mein Interesse erregten, war mit Alan Sillitoes Erzählung „Die Einsamkeit des Langstreckenläufers“* sowie mit Tony Richardsons Verfilmung* der Erzählung.

Wir lasen die Erzählung irgendwann im Englischunterricht und damals sahen wir auch den Film. Ich weiß, dass ich beides mochte. Es war eine angenehme Begegnung mit dem Langstreckenlauf, die sich im Sitzen erleben ließ. Ich glaube, man hat uns damals erzählt, dass der Langstreckenlauf bei Sillitoe eine Metapher für das Leben sei, vielleicht ist das so, wenngleich höchstens eine Metapher für ein Leben voller Qualen und Entbehrungen, wie es der Ich-Erzähler zu erdulden schien.

Und der Ich-Erzähler versuchte redlich, mir Hinweise darauf zu geben, wie die Entbehrungen des Langstreckenlaufs zu ertragen wären: „Denn eigentlich renn ich mit niemandem um die Wette; ich lauf einfach, und irgendwie ist mir klar, wenn ich nicht dran denk, daß es ein Wettrennen ist, und bloß so langtrab, bis ich nicht mehr weiß, daß ich lauf, da gewinne ich jedesmal.“ Und: „Und das alles kann ich, weil ich dabei nachdenke; und ich frag mich, ob ich in der Laufbranche der einzige mit diesem System bin, das Laufen vor lauter Nachdenken zu vergessen (…).“¹

Marathon © Jürgen Bürgin

Meine nächste nennenswerte Begegnung mit dem Langstreckenlaufen fand viele Jahre später statt: In Berlin. Dort geht die Laufstrecke des jährlichen Marathons nicht weit an unserer Wohnung in Kreuzberg vorbei. Und hin und wieder besuchte ich die Strecke und sah den Läufern zu. Beinahe gezwungenermaßen, denn eine Marathonstrecke stellt ein schier unüberwindliches Hindernis dar. Die nicht enden wollenden Massen an Läufern halten einen davon ab, zur so nahe scheinenden gegenüberliegenden Straßenseite zu gelangen.

Ein Marathonlauf ist ein verkehrstechnischer Ausnahmezustand: Um von A nach B zu kommen, bedarf es ausgeklügelter Planungen und fundierter Kenntnisse der örtlichen Gegebenheiten. Nun stand ich also am Straßenrand und beobachtete Tausende von Läufern, die alle das eine Ziel hatten: Die 42,195 Kilometer erfolgreich zurückzulegen – wie schnell auch immer, jedenfalls schneller als der von hinten dräuende Besenwagen, der dem Lauf jener, die zu langsam unterwegs waren, irgendwann gnadenlos ein Ende setzte.

Marathon © Jürgen Bürgin

Ich sah in die Gesichter der Läufer, beobachtete ihre Körperhaltung beim Laufen, versuchte einzuschätzen, wie sehr einige bereits an ihr Limit gerieten. Aber was mich am meisten überraschte, war, dass mir die Marathonläufe gar nicht als einsame, einzelgängerische Unternehmung erschienen, wie ich es eigentlich erwartet hatte. Die Läufer schienen ein Gemeinschaftserlebnis zu durchleben, sie liefen zusammen, man sprach miteinander, winkte dem Publikum zu, trug lustige Kostüme, machte Faxen.

Und irgendwann fing ich an, beim Berlinmarathon zu fotografieren. Irgendwie hatte ich im Sinn, den Schmerz, die Leiden, aber auch die Freude und das Gemeinschaftserlebnis der Läufer abzubilden. Doch eigentlich gelang mir das nicht wirklich – und bald erschien mir das auch zu langweilig. Aber dann fand ich jene Stelle, an der die Feuerwehr Schläuche installiert hatte, mit denen Wasser auf die Laufbahn gespritzt wurde. Die Läufer konnten unter dem Wasserstrahl hindurch laufen und sich abkühlen.

Marathon © Jürgen Bürgin

Und statt das Leiden und die Freude der Läufer zu dokumentieren, versuchte ich fürderhin – und fürderhin bedeutet für die nächsten drei Stunden, in denen ich mich nicht mehr von der Stelle bewegte – meinen Bildern einen abstrakten, verfremdeten Eindruck mitzugeben. Was ich damit meine, ist das Folgende:

Erstens: Das aufspritzende Wasser, die Lichtflecken und die Schatten hinterlassen eine grafische, künstliche Wirkung, erzeugen abstrakte Strukturen. Die Tropfen und Spritzer, die im Licht funkeln, die Schatten der Füße und der Körper erzeugen eine unwirkliche, zeichnerische Bildsprache.

Zweitens: Die Silhouetten der Körper im Gegenlicht wirken wie stilisierte Archetypen von Läufern. Die eingefrorenen Gesten – der nach hinten geworfene Kopf, der angespannte Muskel, die in die Luft gestreckten Arme, die zum Wasser gerichteten Hände – all das sind mehr aufs Äußerliche reduzierte Elemente, die nichts wirklich über die Mühsal der körperlichen Anstrengung erzählen.

Marathon © Jürgen Bürgin

Dieser abstrakte Charakter der Fotos verhalf mir zu einer Erkenntnis: Marathon und Fotografie repräsentieren gewissermaßen zwei diametral entgegengesetzte Konzepte: Bewegung zum einen und das Einfrieren einer Bewegung zum anderen. (Aus-)Dauer einerseits und Sekundenbruchteil andererseits. Körperlichkeit einerseits und rein äußerliche Ästhetik andererseits. Wenn wir die Bilder betrachten, führen wir die Bewegungen in Gedanken fort:

Der Fuß wird gleich den Boden berühren, das Wasser wird gleich aufspritzen, der Läufer wird einen Fuß hinter den anderen setzen, noch viele tausend Mal. Das Bild zeigt Statik, aber unsere Wahrnehmung und unsere Erfahrung erwarten Bewegung.

Marathon © Jürgen Bürgin

Meine Bilder erzählen nichts vom Schmerz, nichts vom Leiden, nichts vom Glück, nichts vom Adrenalinschub. Ich bin dem Verständnis dessen, was die Faszination eines Marathonlaufes ausmacht, keinen Deut näher gekommen. Aber ich habe eine Serie von Fotos produziert, die in ihrer Verfremdung, in ihrer Abstraktion eine Spielerei mit den visuellen Elementen eines Marathonlaufs darstellen. Immerhin.

Und weil ich nicht viel übers Langstreckenlaufen gelernt habe, stattdessen einige abschließende Worte vom Langstreckenläufer aus der Erzählung: „Manchmal denk ich, ich bin noch nie so frei gewesen wie in den beiden Stunden, wenn ich den Weg draußen vor den Toren langtrotte und bei der laublosen, breitbauchigen Eiche am Ende des Heckenwegs wende. Alles ist tot, aber gut, weil’s tot ist, bevor’s lebendig wird, und nicht tot ist, nachdem’s lebendig war.“ ²

Marathon © Jürgen Bürgin

Klingt gut.

Alan Sillitoe: Die Einsamkeit des Langstreckenläufers. Zürich 1975, S. 66.
S. 12.

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24. Juni 2013

24 Jun

Ein Beitrag von: Jonas Ginter

sleep © Jonas Ginter

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Bildvorstellung: why do birds…?

24 Jun

Wie entsteht ein Bild? Aus gegebenem Anlass konnte ich den Prozess einmal genau verfolgen und in Form eines Kurztagebuches festhalten.

Montag, 17. Juni: Heute erscheint die vorletzte Bildvorstellung unserer kleinen Serie. In einer Woche bin ich dran und aus verschiedenen Gründen habe ich noch gar kein Bild dafür parat.

Die letzten Monate waren vor allem mit anderen Dingen gefüllt, aber nicht mit Fotografie. Und wenn ich fotografiert habe, dann kleinere Aufträge, um eine Kamera zu testen oder ich fotografierte eine Serie. Überhaupt fertige ich nur sehr selten Einzelbilder an, von Schnappschüssen mal abgesehen, ich denke und arbeite eher in Serien.

Dienstag, 18. Juni: In meinem Ideenbuch gibt es allerdings genug zusammenhanglose Ideen, von denen sich einige auch für Einzelbilder eignen, anstatt sie, meiner Gewohnheit folgend, zu einer kleinen Serie „aufzublasen“. Ich blättere darin herum, greife ein paar heraus und überlege, welcher ich zugeneigt bin und welche überhaupt in den wenigen Tagen noch schnell und gut umsetzbar sind.

Eine davon ist, mit Materialien zu arbeiten, die von unserer Hochzeit – der Hauptgrund, warum ich monatelang nicht zum Fotografieren kam – vor drei Monaten übrig geblieben sind. Mein Brautstrauß ließ sich beispielsweise nicht als Ganzes trocknen, daher habe ich die Blütenblätter und andere Einzelteile getrocknet und aufbewahrt.

Mittwoch, 19. Juni: Während ich programmiere, korrigiere und andere alltägliche Dinge erledige, entwickelt sich der Ansatz einer Idee weiter, es formt sich ein Bild aus den in Frage kommenden Teilen. Am Wochenende habe ich Fotos von Räumen zusammengesetzt und habe jetzt sowieso das überschwängliche Gefühl, in Photoshop alles Beliebige zusammenbasteln zu können.

Dazu kommt meine Begeisterung der letzten Zeit für großartige Fotocollagen, die sich nicht nur auf die Fotografie beschränken, sondern bei Bedarf auch Zeichnung, Malerei, Strukturen und sonstige Elemente mit einbeziehen. Meistens schwarzweiß gehalten, recht dramatisch. So etwas möchte ich auch machen.

Donnerstag, 20. Juni: Dabei sein sollen: Ich im Selbstportrait, der Satinstoff mit den Rostflecken vom Drahtgestell des Brautstraußes, getrocknete Blütenblätter aus dem Strauß und mein Hochzeitskleid. Letzteres wahrscheinlich invertiert, also schwarz.

Für den Hintergrund könnte ich meine Wandtafel benutzen, auf der sich über die Zeit durch ständiges Beschriften und wieder abwischen eine nette, zufällige Kreidestruktur abgesetzt hat. In meiner Vorstellung ist die Komposition dunkel und symmetrisch ausgerichtet. Vielleicht mit einer Art Mehrfachbelichtung, damit es nicht so statisch ist.

Freitag, 21. Juni: Wie geplant baue ich die Kamera mit Stativ gegenüber der Wandtafel auf und probiere eine Weile herum, bis ich eine gute Aufnahmehöhe und -perspektive gefunden habe. So, dass ich mich nicht zu sehr verbiegen muss, gleichzeitig möglichst viel Tafel aufs Bild bekomme und mich in den 10 Sekunden des Selbstauslösers positionieren und die Augenbinde aufsetzen kann.

Ich mache zusätzlich noch ein paar Aufnahmen vom ausgebreiteten Rockteil meines Kleides und lasse abschließend die getrockneten Blätter vom Brautstrauß zwischen Kamera und Wandtafel herunterrieseln, um sie im freien Fall festzuhalten statt irgendwo ausgelegt. So haben sie auch die gleiche Beleuchtung wie meine Selbstportraits.

Samstag, 22. Juni: Eigentlich wollte ich eine Skizze vom Bild in meinem Kopf machen, wo ich den Entstehungsprozess schon einmal so schön festhalte. Aber so richtig ist dafür heute keine Zeit und ich fürchte, es würde mich zusätzlich frustrieren, wenn ich beim Zusammensetzen dann nicht das hinbekomme, was ich aufgezeichnet hatte.

Sonntag, 23. Juni: Die in schwarzweiß konvertierten Bilder hatte ich schon am Freitag nach den Aufnahmen in verschiedenen Belichtungen exportiert, um die stark einseitige Beleuchtung auszugleichen. Nachdem ich das umgesetzt habe, lade ich die fünf Bilder unterschiedlicher Posen (auch eine ohne Augenbinde) als übereinanderliegende Ebenen in Photoshop.

Schnell ist klar, dass sie im Modus „Negativ multiplizieren“ und per Einstellungsebene um mehrere Belichtungsstufen abgedunkelt wie eine Mehrfachbelichtung übereinander liegen sollen. Eine Tafelseite war durch meinen Schatten zu dunkel, also setze ich dort gespiegelte Teile der Bilder noch einmal neu ein.

Ein oder zwei Stunden lang versuche ich, mein Kleid so einzubauen, wie ich es mir vorgestellt habe, aber gegen die durch die Überlagerung unscharf wirkenden Selbstportraits ist es viel zu scharf, es fällt optisch vollkommen heraus und lässt sich durch keinen Effekt näher heranbringen. Also verwerfe ich das Material vom Kleid.

Eher zufällig ergibt sich, dass ich nun die Blätter aus meinen Händen nach oben – anstatt wie geplant nach unten über das jetzt fehlende Kleid – fallen lassen kann. Da hatte ich also Glück, dass mir das verworfene Material keinen kompletten Strich durch die Rechnung gemacht hat.

Am Ende habe ich mehrere Handvoll Ebenen, mit denen ich Details betone oder verschwinden lasse und fallende Blätter aus vielen Einzelbildern eingefügt habe. Dazu kommen unzählige Einstellungsebenen, um hier abzudunkeln, dort aufzuhellen, den Kontrast einiger Ebenen anzuziehen oder das Bild nach oben um ein Stück angesetzten Tafelhintergrund zu erweitern.

Montag, 24. Juni: Ein geglücktes Experiment erfüllt mich immer mit Freude und Stolz. Am schlimmsten ist es, wenn es viel in einem Bild zu entdecken gibt, wie hier. Nicht nur für den Betrachter – auch ich kann es nicht sein lassen, immer noch einmal über das Bild zu streifen und Assoziationen und Formen nachzugehen.

Ich mag, wie meine an den Kopf gehaltenen Hände aus einer Belichtung auf den ersten Blick wie ein Schleier aussehen. Und wie die übereinandergelegten Ebenen ganz weiche Gesichtskonturen zeichnen. Und wie man erst nach vielen Blicken die geöffneten Augen entdeckt, die sich hinter den anderen Belichtungen verstecken.

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23. Juni 2013

23 Jun

Ein Beitrag von: Elke Vogelsang

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browserFruits Juni #4

23 Jun

Als Fotograf hält man so oft nur die Oberfläche fest. Das Sichtbare ist unsere Leidenschaft. Röntgenbilder spiegeln hingegen die Sehnsucht wieder, auch in das Innere der Dinge zu dringen. Für unser Fotospecial haben wir uns deshalb auf die Suche nach diesen geheimnisvollen Bildern gemacht. Desweiteren findet Ihr wieder Links und Tipps rund um die aktuelle Fotografie. Viel Spaß beim Stöbern!

Fotospecial: Röntgenbilder

Flickr

500px

Deutschsprachig

• Diese großartige Foto- und Textreportage in Form eines Tagebuchs über den Einsatz von „Clowns ohne Grenzen“ in Syrien legen wir Euch ganz besonders ans Herz!

• Großartig aufgenommen: Marcus Pink fotografierte einen der „beeindruckendsten Bahnhöfe Europas“.

• Langweiledich.net zeigt die großartigen Lichtgraffities von Darren Pearson.

• Ihr polarisiert gern? Pola Bear Zine wartet auf Eure Einreichungen.

International

• Samuel Poromaa, den wir hier mal im Interview hatten, denkt in seinem Journal auf deviantArt laut über Konzeptuelle Fotografie nach. Prädikat: Lesenswert!

• Schön und schrecklich zugleich: Bilder von einem Großbrand in Südkalifornien Anfang des Monats. Poetische, alles verzehrende Flammen.

• Noch einmal Spaß mit Fotos bzw. Montagen: Klassische Statuen, fotografiert als alltägliche Hipster.

• Erinnert Ihr Euch noch an die Portraitserie mit durch Klebeband völlig entstellten Gesichtern? Wes Naman hat jetzt noch einen draufgesetzt und eine zweite, ähnliche gemacht. Autsch, aber witzig.

• Tom Robinson war sechs Monate lang in Südamerika und nahm dort atemberaubende Fotos auf.

• Abandoned America: Der Traum aller Lost Places-Fotografen – alte Schulen, Kirchen und Gefängnisse.

• Was Yang Yionglang aus seiner Kamera und Photoshop an chinesicher Kunst herausholt, verschlägt einem den Atem.

• Diese zehn Künstler zaubern unglaubliche fotorealistische Ölgemälde.

• Folgende 41 Gründe, keinen Fotografen zu daten, sind nicht unbedingt ernst zu nehmen, aber lustig.

• Kennt Ihr schon die akrobatischen Selbstportraits von Isabell Wenzel?

• Weshalb Annie Leibovitz falsch liegt, was die Beurteilung der Fotografie im Allgemeinen betrifft, beschreibt Reid Singer sehr anschaulich.

Neuerscheinungen und Tipps vom Foto-Büchermarkt

buchtipps

• Ein großartiges Buch ist der Bildband „Nowhere“ von Leon Kirchlechner, der in Kooperation von dienacht Publishing and Der Greif entstand. Einen schönen Einblick ins Buch könnt Ihr hier erhaschen. Die Hardcover-Ausgabe ist limitiert auf 800 Stück und für 29,80 € zu haben.

• Der Modefotograf Jeanloup Sieff starb bereits im Jahr 2000. Einen schönen Überblick über sein Werk gibt der Bildband „Jeanloup Sieff“* von TASCHEN, der zu einem unschlagbaren Preis von 9,99 € erhältlich ist.

Videos

Supercooles (und staubiges) Making-Of zu Thomas Davids „Dust and Fight“. Mehr darüber gibt’s hier.

Ausstellungen

Göran Gnaudschun – Luft berühren
Zeit: 25. Mai – 29. Juni 2013
Ort: fotopension, Marsiliusstr. 55, 50937 Köln
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Im Guten Glauben – Religiöse Vielfalt im Ruhrgebiet
Zeit: 20. April – 30. Juni 2013
Ort: Zeche Hannover, Günnigfelder Straße 251, 44793 Bochum
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Thomas Hoepker /// Heartland
Zeit: 24. Mai – 3. Juli 2013
Ort: 25books, Brunnenstraße 152, 10115 Berlin
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Dieter Blase: Marathon – Salamis – Korinth – Mykene – Aulis
Zeit: 12. Mai – 6. Juli 2013
Ort: Stadtmuseum Bocholt, Osterstr. 66, 46397 Bocholt
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TILL BRÖNNER – Faces of Talent
Zeit: 17. Mai – 6. Juli 2013
Ort: Leica Galerie Salzburg, Mirabellplatz 8, 5020 Salzburg
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WORLD PRESS PHOTO 13
Zeit: 13. Juni – 7. Juli 2013
Ort: Willy-Brandt-Haus, Stresemannstr. 28, 10963 Berlin
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Gudrun Kemsa – URBAN STAGE
Zeit: 16. Mai – 7. Juli 2013
Ort: LVR-LandesMuseum Bonn, Colmantstr. 14-16, 53115 Bonn
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Max Scheler. Von Konrad A. bis Jackie O.
Zeit: 3. Mai – 7. Juli 2013
Ort: Städtische Galerie, Theodor-Heuss-Ring 24, 58636 Iserlohn
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Ryuji Taira – Fluffy Platinum
Zeit: 7. Juni – 7. Juli 2013
Ort: Galerie Edition Camos, Aldringenstraße 1a, 80639 München
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“Le Grand Bordel”, Fotografien von Gerd George
Zeit: 19. Juni – 12. Juli 2013
Ort: kulturreich, Wexstraße 28, 20355 Hamburg
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Michael Lange – Wald
Zeit: 8. Juni – 13. Juli 2013
Ort: L.A.Galerie Lothar Albrecht, Domstraße 6, 60311 Frankfurt
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VINTAGE – Dozentinnen und Dozenten der Neuen Schule für Fotografie zeigen Arbeiten aus ihrer Studienzeit
Zeit: 15. Juni – 14. Juli 2013
Ort: Neue Schule für Fotografie, Brunnenstr. 188?–?190, 10119 Berlin
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Ralf Cohen “WeltAnschauung” / Simone Demandt “Futility”
Zeit: 13. März – 14. Juli 2013
Ort: Sammlung Hurrle, Almstraße 49, 77770 Durbach
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Arno Schmidt. Fotografien
Zeit: 13. April – 14. Juli 2013
Ort: Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, Damm 1, 26135 Oldenburg
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Jürgen Bürgin: Urban Ballads
Zeit: 28. Juni – 2. August 2013
Ort: Fotogalerie Friedrichshain, Helsingforser Platz 1, 10243 Berlin
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22. Juni 2013

22 Jun

Ein Beitrag von: Martin Scriba

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Am Anfang einer Reise

22 Jun

Ein Beitrag von: David Uzochukwu

Die Frage, die mir wohl am häufigten gestellt wird, wenn Leute meine Bilder sehen, ist die nach meinem Alter. Wenn ich dann mit 14 antworte, sind die meisten Menschen erst einmal erstaunt. 14?

Ich habe unglaubliches Glück, dass ich so früh auf die Fotografie gestoßen bin. Im Sommer 2009 entdeckte ich die Digitalkamera meiner Mutter und war sofort fasziniert von der Idee, Momente festzuhalten. Wie besessen fotografierte ich Blümchen und Katzen. Doch nach einer gewissen Zeit war das nicht mehr so befriedigend wie am Anfang und so suchte ich nach etwas Neuem.

Ich fand flickr. Schnell hatte ich mich angemeldet und erforschte die Seite. Was es da alles gab! So viele Farben und so viel Bokeh! Schnell stieß ich an die Grenzen der Kompaktkamera. Vor anderthalb Jahren bekam ich dann meine Canon EOS 500D geschenkt. Der Qualitätsunterschied begeisterte mich. Aber man kann von einem Blumenstrauß nur eine begrenzte Anzahl Fotos machen, bis man sich langweilt. Ich brauchte Abwechslung!

Da stieß ich auf Alexis Mire und Brendon Burton und war absolut fasziniert – von ihren Bildern und von den Geschichten, die sie erzählten. So begann ich, mich für Portraits zu interessieren und für das Geschichtenerzählen. Bloßes Dokumentieren war mir nicht mehr genug. Ich wollte erschaffen, erzählen, Menschen mit meinen Bildern zum Nachdenken und zum Fühlen bringen. Das wurde mein Ziel.

Ich durchsuchte das Internet nach Möglichkeiten, meine Idee Wirklichkeit werden zu lassen. Ohne die vielen Menschen, die sich dazu entschlossen haben, ihr Wissen online zu teilen, wäre ich wahrscheinlich nie weitergekommen. Die Werke meiner beiden Vorbilder wurden untersucht und im Detail analysiert.

Ich fragte mich: Wie geht das? Ich war besessen und ich kann nicht sagen, dass diese Besessenheit inzwischen verschwunden wäre. Ich probierte aus und experimentierte, versuchte mich in analoger Fotografie und dann auch in Photoshop. Hier fand ich letztendlich, was ich gesucht hatte: Einen Weg, meine Bilder zu verbessern. Ich las unzählige Artikel über Bildbearbeitung, sah mir Tutorials an, probierte, machte Fehler und probierte erneut.

Um so viel zu üben, brauchte ich viele Bilder. Aber wen sollte ich fotografieren? Ich kam zu dem Schluss, dass ich mir wohl oder übel selbst als Modell dienen musste. Der Anfang war schrecklich. Alles lief schief: Von der Schärfe der Bilder über die Komposition bis hin zu meinem Gesicht, das ich nicht mochte. Doch ich hörte nicht auf. Ich wollte unbedingt so gut werden wie die Fotografen, die ich im Internet gesehen hatte.

Und mit der Zeit wurden die Bilder besser. Ich konnte Ideen, die ich hatte, genauer umsetzen, die Bilder wurden öfter scharf und manchmal gefielen sie mir auch. Hin und wieder mochte ich es sogar wirklich, wie ich auf einem Foto aussah. Das Fotografieren wurde zu etwas Persönlichem, Therapeutischem.

Ich fotografiere mich heute nicht, weil sich kein anderes Modell auftreiben lässt, sondern weil ich es will. Das hat nichts mit Narzissmus zu tun, sondern mit Selbstwertgefühl und Selbstbewusstsein. – Wie oft blieben Leute schon stehen und schauten mir zu, während ich halbnackt im Wald lag, angezogen in einem halbversunkenen Boot saß, in einen Container auf der Straße kletterte oder mich auf Baustellen in Erde verbuddelte?

Fotografie hat mich als Person verändert. Sie gibt mir Sicherheit und sie fordert mich heraus. Sie ist ein Teil von mir. Sie hat meine Aufmerksamkeit geschärft, meinen Sinn für Ästhetik geprägt. Sie hat mir neue Freunde verschafft und mir gezeigt, was Leidenschaft ist. Ich weiß jetzt, dass mich die Fotografie nicht mehr freigeben wird und das ist gut so.

Die Frage, die mir wohl am häufigten gestellt wird, wenn Leute meine Bilder sehen, ist die nach meinem Alter. Wenn ich dann mit 14 antworte, sind die meisten Menschen erst mal erstaunt. 14? Und ich nicke, manchmal stolz.

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21. Juni 2013

21 Jun

Ein Beitrag von: Sabine Fischer

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Augenschmaus: Beeren-Baiser-Kuchen

21 Jun

Ein Beitrag von: Lisa Nieschlag

Zwei Küchen, zwei Kontinente – eine gemeinsame Leidenschaft: Liz & Jewels alias Lisa Nieschlag und Julia Cawley eint die Liebe zum Kochen und zum Kreativen. Jede Woche treffen sich die beiden in der Küche und kochen, stylen und fotografieren ein Gericht. Aber weit weg voneinander und jede auf ihre Art: Liz in Münster, Jewels in Brooklyn! Die Ergebnisse werden online ausgekostet und diskutiert.

Portionen: großer Kuchen oder 6 – 8 kleine
Zeit: Aufwändig, bestimmt 45 Minuten und mehr.

Zutaten und Zubereitung

Für die Kuchen:
50 g Butter
50 g Rohohrzucker
2 Eigelb
1 Tl Vanille-Extrakt
75 g Mehl
1 Tl Backpulver
ca. 50 ml Milch

Den Backofen auf 180°C vorheizen. Eine kleine Backform (Durchmesser etwa 15 cm) auf dem Boden mit Backpapier auslegen und die Seiten einfetten. Alternativ eine Silikonbackform nehmen, da sie das Herauslösen der Kuchen erleichtert. Die zimmerwarme Butter mit dem Zucker und einem Handrührgerät schaumig rühren. Eigelb und das Vanille-Exrakt dazugeben und verrühren. Das Mehl mit dem Backpulver mischen und nach und nach zur Butter-Mischung geben. Die Milch ebenfalls unterrühren und die Hälfte des Teiges in die Backform verteilen.

Für das Baiser:
2 Eiweiß
65 g Feinster Zucker

Das Eiweiß mit dem Zucker steifschlagen und die Hälfte auf dem Teig in der Backform verteilen. Den verbleibenden Eischnee kalt stellen. Die Form in den Ofen geben und zwischen 15-20 Minuten backen, bis sich das Baiser goldgelb färbt. Die Backform aus dem Ofen nehmen und kurz abkühlen lassen. Den Kuchen aus der Form lösen und auf einen Teller geben. Die Form spülen und mit der anderen Hälfte des Rührteiges und des Eischnees einen zweiten Kuchen backen. Nach dem Backen ebenfalls abkühlen lassen.

Für die Füllung:
150 ml Sahne
Johannisbeeren oder Himbeeren oder Blaubeeren …

Für die Füllung die Sahne steif schlagen und auf dem ersten Kuchen verteilen. Einige Beeren dazugeben. Den zweiten Kuchen darauf geben und mit Beeren garnieren.

Fotorezept:

Liz: Das Thema meines Settings ist „all-white“. Dazu wählte ich ganz bewusst weiße Props aus. Auch Rückwand und Untergrund sind weiß und hell. Dadurch wird der Fokus noch stärker auf den Kuchen und die kräfig-roten Beeren gelenkt.

Jewels: Ich wollte gerne etwas Moodiges machen und lieber viele kleine Kuchen als einen großen, weil ich an dem Tag Besuch hatte und lieber kleine Törtchen servieren wollte.

Du hast auch ein leckeres Rezept und die passenden Food-Fotos dazu, die einem das Wasser im Munde zusammenlaufen lassen? Dann werde einfach selbst Teil von „Augenschmaus“!

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The Day The Judging Stopped – The Mediocrity of Photography

Marathon

24. Juni 2013

Bildvorstellung: why do birds…?

23. Juni 2013

browserFruits Juni #4

22. Juni 2013

Am Anfang einer Reise

21. Juni 2013

Augenschmaus: Beeren-Baiser-Kuchen

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