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Archive for the ‘Equipment’ Category

Women To Get A Stronger Image In Stock Photography

22 Feb

women-stock

The stock industry is about to change.

We’ve heard that before but this time the change, if it happens, will be positive, affect content rather than distribution and will give new opportunities to photographers to shoot not just more images but more interesting images.

The change is coming from Sheryl Sandberg. Facebook’s CEO has teamed up with Getty to promote a new collection of images that portray women in a more positive way. Instead of the usual clichéd stock images of women in suits, women holding babies and women laughing alone with salad, the collection will show girls on skateboards, women in the operating theatre and women planing wood. Even men get a look in with dads now shown wearing the bjorn.

The collection currently contains more than 2,500 images which will be returned alongside the usual results for relevant search terms. Buyers can also search the collection exclusively. Ten percent of the proceeds from the photos will go to LeanIn.org, Sandberg’s non-profit organization.

The aim, says Sandberg, is to change the way women and girls are portrayed in the media and to remove many of the old stereotypes that she believes hold women and girls back.

“When we see images of women and girls and men, they often fall into the stereotypes that we’re trying to overcome,” Sheryl Sandberg told The New York Times, “and you can’t be what you can’t see.”

The effect of the shift in imagery could be huge. The three most-searched keywords on Getty are “women”, “business” and “family” and yet buyers often complain they can’t find the images that portray those keywords in the way they want. Writing in The Cut last November, for example, Emily Shornick produced a slideshow of results for the keywords the publication typically needs to illustrate. “Girl power” and “feminist” returned women, often scantily clad, in boxing gloves and gripping dumbbells and power tools; “career women” stand on cliffs or climb symbolic ladders, hold folders and fall asleep on computers; a “businesswoman” is a multi-armed octopus who can hold a baby, a computer, a frying pan and an iron in her many hands. Despite the millions of images available on stock sites, few of the results produced the “feminine sass” the publication was hoping to find when it searched for “girl power.”

The aims of Getty’s new collection then are laudable. More images of women engineers and female coders in the media and in advertising can only be a good thing for encouraging girls to take up the sciences. They may even come as a relief to photographers looking for a shoot more creative than one that involves telling another model in a business suit to hold a laptop and smile.

Do Advertisers Want Strong Women?

The question, though, is whether buyers will go for these new portrayals. The Cut might be looking for sassy images of girl power but how representative is that magazine of buyers in general?

It’s possible, in fact, that despite the advances women have made in the workplace over the last few decades, art buyers have gone backwards.

In 1981, Lego’s famous ad showed a little girl holding a model made of colored bricks. That ad wasn’t just portraying the creativity that its product allowed children to enjoy. It was also suggesting that its bricks were for all children, boys and girls alike. Today’s toy marketing is much more gendered. Stores now are more likely to have pink shelves for girls and blue shelves for boys. In catalogs, girls brush princesses, pet puppies and play with dolls; boys build towers, push cars and experiment with chemistry sets.


toys-stock

That three-quarters of the more feminist images now included in Getty’s Lean In collection aren’t new suggests the company might indeed struggle to make sales. Those photos were drawn from Getty’s main collection where, presumably, they were passed over by buyers who chose instead to purchase images with traditional portrayals.

For photographers, that represents a dilemma. As keen as photographers might be to produce more positive depictions of girls and women, they have to shoot what sells not what they wish customers would buy (especially if that 10 percent donation to LeanIn.org is taken before Getty has calculated their royalties.) Restaurant owners might wish people would buy fruit juice instead of soda, but if people buy soda, they’ll continue to offer it. This wouldn’t be the first time that buyers have complained about the stereotyped nature of stock imagery even as they fill their shopping carts with it.

Getty Can Make The Market

The real strength of this initiative though is that Getty has thrown its weight behind it. The company doesn’t just supply images to a market. It also tries to influence that market. Each year, its research department issues reports on trends in the stock industry. That tells photographers what they might want to shoot if they want to increase their sales but it also tells buyers what they should be buying if they don’t want their ads to look old and out of date. Getty is influential enough to create trends as well as report on them. Current trends, the company says, include a preference for realistic body shapes and more shots of women at work.

Getty’s collaboration with Lean In is a positive move but photographers will need to be careful. It’s easy for Getty to promote a particular kind of image but if the sales of those new images fail to occur it will be the photographers who are left holding the bill for the shoots. Photographers who find that their traditional portrayals of happy salad eaters and boxing businesswomen make them profits shouldn’t have to risk their revenues to please buyers who are afraid to take risks themselves.

The best strategy will be to continue shooting images that you know can find buyers, keep an eye on the trends and the Lean In collection, and ease more positive portrayals into the shoots as you see those becoming popular.

If the stock industry is changing again, we’ll all need to manage that change carefully.


Photopreneur – Make Money Selling Your Photos

 
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Die Unschuld des Augenblicks

22 Feb

Der Begriff „Mädchenfotografie“ schleicht sich zunächst ins Bewusstsein, betrachtet man Tina Sosnas Fotoarbeiten das erste Mal. Und sie ist natürlich auch ein Mädchen und warum sollten ihre Fotos nicht auch genau davon sprechen?

Sie ist jetzt zwanzig Jahre alt. Vor vier Jahren begann sie, die Welt um sich herum mit der Kamera einzufangen, wie so viele andere auch. Sie betrachtete Details, die von ihrer Umwelt oft übersehen wurden oder hielt kleine Momente fest, die für sie besonders wichtig waren.

Es ist, als würde man das Tagebuch eines Mädchens öffnen und ihre Träume finden. Träume, die noch so leicht sind und von einer unbeschwerten Jugend berichten; einer Jugend, die manch andere ihres Alter schon längst verloren haben.

Und selbst die Schwere, wie sie der Tod mit sich bringt, ist auf ihren Bildern zart und still wie ein unausgesprochenes Geheimnis.

© Tina Sosna

Ich wuchs zwischen wunderschöner Natur auf und musste lernen, mich mit mir selbst und den Dingen, die mich umgaben, zu beschäftigen. Dadurch schuf ich meine eigenen kleinen Welten, in denen ich Rettungsboote aus Walnussschalen für kleine Frösche baute und als Schneewittchen im Apfelbaum unseres Gartens lebte.

Ihre Bilder unterscheiden sich dennoch von denen vieler anderer Mädchen. Sie tragen eine eigene Sprache und erzählen ihre Geschichte, die sich wie ein Puzzle zusammensetzen lässt. Wir lauschen diesen Bildern wie Filmsequenzen oder Sätzen aus einer Welt, die wir nicht kennen, die unberührt scheint. Sie lässt uns teilhaben an ihren Empfindungen, schutzlos.

© Tina Sosna

Irgendwann musste ich jedoch feststellen, dass sich in meinem Kopf ganz andere Dinge abspielten, als in denen der anderen. Ich dachte über Kleinigkeiten nach und zerbrach mir den Kopf darüber oder versank zwischen Musik, Filmen oder der Vergangenheit.

Ich wollte den Menschen zeigen, wie unfassbar wichtig die kleinen Dinge sind und sie dazu inspirieren, auch öfter als zwei Mal hinzusehen und achtsamer zu sein.

Und ich möchte dieser Protagonistin folgen, mit ihr die Lieblingsstellen aus Gedichten unterstreichen, neue Worte erfinden und gemeinsam den Atem des Waldes spüren, hinter Bäumen verstecken, nach Geheimnissen suchen und sich wundern –

© Tina Sosna

Über all das Schöne, aber auch das Unbekannte, das uns dort draußen, weit weg von lauten und grellen Lichtern des städtischen Lebens, umgibt.

Mit ihren Bildern träume ich mich noch einmal in die Unschuld des ersten Augenblicks. Ich denke verschwommen an die vergangenen Sommer, Erinnerungen tauchen auf, Farbschicht um Farbschicht blättert ab und hinterlässt ein wohliges, wärmendes Gefühl.


kwerfeldein – Fotografie Magazin

 
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21. Februar 2014

21 Feb

Ein Beitrag von: Bartoffel

© Bartoffel


kwerfeldein – Fotografie Magazin

 
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20. Februar 2014

20 Feb

Ein Beitrag von: Tom Hegen

Tom Hegen


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Amazing Little Pocket Portfolio

20 Feb

Extra photos for bloggers: 1, 2, 3

There is something to be said about an object that fits in the palm of your hand.

Small things have that cool ability to be precious while at the same time not taking themselves too seriously.

They are quiet and understated and beg us to take a second look.

We’ve got a handy little tutorial for you that will show you how to easily make a tiny portfolio to showcase your large talent.

Good things come in small packages. Oh, heck yeah they do!

Create Your Very own Pocket Portfolio(…)
Read the rest of Amazing Little Pocket Portfolio (482 words)


© Karla for Photojojo, 2014. |
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Spuren des Handelns

20 Feb

Ein Beitrag von: Florian Thein

„Was fotografierst du eigentlich?“ – die Frage nach dem fotografischen Schaffen ähnelt der Frage nach musikalischen Vorlieben. „Eigentlich alles!“ will man vielleicht vorschnell entgegnen, was jedoch die Gefahr birgt, der Gruppe jener zugeordnet zu werden, denen es egal ist, was sie hören oder fotografieren.

Als es nun darum ging, meine fotografische Motivation in Text zu fassen, war der Auseinandersetzung mit dem eigenen Tun nicht mehr länger aus dem Weg zu gehen. Was fotografiere ich eigentlich? Lässt sich da ein Muster erkennen?

© Florian Thein

© Florian Thein

Was haben eine rosa Elefantenrutsche, eine informelle Siedlung in Usbekistan, skulptural aufgetürmter Sperrmüll, eine technische Wandbeschriftung und eine Straßenkreuzung aus der Vogelperspektive miteinander zu tun? Nur in wenigen meiner Fotos sind Menschen zu sehen oder einzelne Personen zentrales Thema. Man könnte meinen, dass ich an Menschen kein Interesse habe.

Das Gegenteil ist der Fall – was mich jedoch besonders interessiert, sind von Menschen hinterlasse Spuren. Das achtlos weggeworfene Brötchen, ein Autoaufkleber, ein dilettantisch repariertes Objekt, aber auch Architektur, ein Graffiti – all das sind Produkte von Entscheidungsprozessen und Handlungen.

© Florian Thein

© Florian Thein

Auf gewisse Weise sind diese Zeugnisse menschlicher Existenz ehrlicher als ein Portrait, sie zeigen unmittelbar den aktiven Einfluss des handelnden Menschen, des Individuums auf unsere Umwelt. Jede einzelne Handlung folgt einer Motivation, sei sie politisch, idealistisch, hedonistisch oder zufällig – ihre Spur bildet unmittelbar den Wesenszug des Handelnden ab.

Entscheidung und Handlung, ob unbewusst oder bewusst getroffen und ausgeführt, lassen die Umwelt zur gelebten Umwelt mit dem Menschen als Benutzer und Gestalter werden. Treffen Spuren sozialer Akteure verschiedener Herkunft, Bildung, oder mit unterschiedlichem Gestaltungsanspruch aufeinander, entwickelt sich aus der Verdichtung der Handlungsstränge oft eine besondere Ästhetik. Die Summe der individuellen Handlungen bildet letztlich die Beschaffenheit unserer Gesellschaft ab.

© Florian Thein

© Florian Thein

Spuren verfügen über narrative Anhaftungen, ihnen wohnt die Geschichte der Handlung zu einem vergangenen Zeitpunkt inne. Sie weisen unterschiedliche Qualitäten auf und sie sind stetiger Dynamik und Transformation erlegen. Spuren im Raum liegen als Skulpturen des Handelns direkt vor uns, jeden Tag, jede Sekunde – sie wollen nur herausgeschält, herauspräpariert werden.

In diesem Sinne begreife ich Fotografie als eine Art anthropologisches Werkzeug, das es ermöglicht einen Zustand dieser sich permanent fortschreibenden Spuren festzuhalten. Gleichzeitig versucht meine Fotografie oft eine alternative Lesart, indem sie die Bildwirksamkeit im Chaos, die Ästhetik im Unort sucht.

© Florian Thein

© Florian Thein

Stundenlanges Inszenieren, geduldiges Arbeiten mit Stativ, Hochglanzfotografie und ausgefeilte Postproduktion liegen mir nicht, ich fotografiere eher als aufmerksamer Flaneur und lasse mich gern von Situationen überraschen. Die vielbemühte Authentizität sehe ich mit einfachen Mitteln adäquater umgesetzt.

Dennoch versuche ich, möglichst sauber zu arbeiten, das Vorgefundene präzise zu komponieren und die von mir empfundene Besonderheit herauszuarbeiten. Klassische Ordnungsprinzipien bestimmen dabei oft den Bildausschnitt. Ziel ist für mich die gleichwertige Behandlung verschiedener Spuren und ihrer gestalterischen Auswirkung im direkten Kontext.

© Florian Thein© Florian Thein

Wenn das scheinbar Banale etwas Erhabenes bekommt und als Kulturproduktion wahrnehmbar wird, erfüllt das Foto für mich seinen Zweck.


kwerfeldein – Fotografie Magazin

 
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Architekturfotografie in schwarzweiß

20 Feb

Ein Beitrag von: Martin Schmidt

Als ich im vergangenen Jahr anfing, mich intensiver mit Fine Art in der Architekturfotografie auseinanderzusetzen, war ich total begeistert von den fremdartigen und so eigenständigen Bildstilen derjenigen, die ich als „die Großen“ in diesem Genre ansehe.

Ich wollte auch solche Fotos erschaffen und verschlang alles, was ich im Netz zum Beispiel von Joel Tjintjelaar oder Julia Anna Gospodarou finden konnte.

Kein Video-Tutorial und kein Blog-Eintrag war vor mir sicher. Dies führte dazu, dass ich mich wesentlich intensiver mit Architektur, Fotografie und Bildbearbeitung auseinandersetzte und so vor allem drei Sachen lernte:

1. Welcher Architekturstil interessiert mich und wo finde ich ihn?
2. Wie kann ich die Gebäude fotografieren, so dass die architektonischen Aspekte, die für mich bestimmend sind, auch das Bild bestimmen?
3. Wie kann ich das Foto nachbearbeiten, um diese Aspekte noch stärker zu betonen?

Da der letzte Punkt – die Nachbearbeitung – bestimmt viele vor die Frage „Wie machen die das?“ stellt, möchte ich in diesem Artikel eine kleine Einführung in die Technik geben, die ich mir von „den Großen“ abgeschaut und selbst angeeignet habe.

© Martin Schmidt

Dabei ist mir wichtig, dass nicht der Eindruck entsteht, ich hätte mir all dies selbst ausgedacht – keineswegs! Aber ich denke, dass ich inzwischen einen sehr guten Überblick geben und damit so manchem den Einstieg erleichtern kann.

Denjenigen unter euch, die noch mehr über das Warum und die Inspiration hinter dieser Art von Fotografie wissen und lesen möchten, empfehle ich das Interview mit Julia Anna Gospodarou hier auf kwerfeldein oder diesen kürzlich von mir veröffentlichten Artikel.

Fast alle meiner Architekturfotos sind schwarzweiß und alle Bearbeitungstechniken, um die es im Folgenden gehen soll, beziehen sich dementsprechend auf Schwarzweißfotos.

© Martin Schmidt

Eine wesentliche Eigenschaft guter Schwarzweißfotos ist in meinen Augen, dass ihr Histogramm in möglichst jedem Bereich Grautöne enthält – von tiefem Schwarz bis hin zu echtem Weiß. Oftmals ist es jedoch nicht einfach, dies alles in einer Belichtung zu erreichen, manchmal sogar unmöglich.

Ich habe mir daher die Technik von Joel Tjintjelaar abgeguckt, die folgendermaßen funktioniert: Ich versuche zunächst bereits bei der Aufnahme eine sehr ausgewogene Belichtung zu erreichen. Diese bearbeite ich dann in Lightroom so, dass das Histogramm möglichst alle Werte von 0 bis 255 abdeckt. Dabei achte ich darauf, dass weder die Tiefen absaufen noch die Höhen ausbrennen.

Anschließend erstelle ich mir verschiedene Schwarzweißversionen desselben Fotos. Hierzu verwende ich das NIK-Plugin Silver Efex Pro 2. Meistens werden es drei oder mehr Versionen: Eine extreme High-Key-Version, eine extreme Low-Key-Fassung und zusätzlich einige Zwischenstufen.

© Martin Schmidt

Mit diesen verschiedenen softwaregenerierten Belichtungen desselben Fotos habe ich dann das Rüstzeug beisammen, um das Bild zu erschaffen, das mir anfangs vorschwebte.

In der Schwarzweißfotografie – und insbesondere in der Architekturfotografie – spielen vor allem Kontraste und Grautonverläufe eine wichtige Rolle. Da ich unterschiedlich helle und dunkle Versionen des Fotos habe, kann ich durch entsprechendes Zusammenfügen dieser Versionen an von mir bewusst gewählten Stellen genau die Kontraste und Grautonverläufe erzeugen, die ich im Bild haben will. So erziele ich die gewünschte Bildwirkung.

Das darf natürlich nicht willkürlich geschehen! Am wichtigsten ist, dass man sich bereits bei der Aufnahme überlegt, welche Linien, welche Formen und welche Kontraste im Endergebnis dominieren sollen.

© Martin Schmidt

© Martin Schmidt

Dieses Endergebnis gilt es, jetzt herauszuarbeiten. Aber wie? Hätte man nicht mehrere Belichtungen zur Verfügung, wäre die Standard-Antwort wohl sicher: Mittels Abwedeln und Nachbelichten.

Dies kann aber, gerade wenn man sehr genau arbeiten will, und sehr weiche Verläufe zwischen den Höhen und Tiefen erzielen möchte, extrem zeitaufwändig sein. Joel Tjintjelaar hat daher die von ihm so genannte Technik der selektiven Verlaufsmaskierung (eng.: selective gradient masking, kurz: SGM) entwickelt, mit der es möglich ist, extrem weiche Verläufe durch die Überblendung verschiedener Belichtungen zu erzeugen.

Aber wie geht das genau? Okay, gehen wir Schritt für Schritt vor: Angenommen, wir haben ein Gebäude, das von unten nach oben heller werden soll, damit es an seiner Spitze in einem deutlichen Kontrast zu einem dunklen Himmel steht. Das Auge des Betrachters soll also gezielt an diese Stelle im Bild geführt werden.

© Martin Schmidt

Zunächst erstellen wir uns in einem Bildbearbeitungsprogramm unserer Wahl eine Auswahl des Gebäudes, denn der Verlauf soll ja nicht auf das gesamte Bild, sondern nur auf das Gebäude angewandt werden.

Anschließend erstellen wir zwei Ebenen, wobei die obere Ebene die dunkle Version des Gebäudes und die untere Ebene die helle Version enthält. Für die obere Ebene (dunkle Version) fügen wir jetzt eine leere, also weiße Ebenenmaske hinzu, laden die Auswahl des Gebäudes und klicken auf das Symbol der Ebenenmaske, in die wir gleich zeichnen werden.

Für das Zeichnen in der Ebenenmaske nutzen wir das Verlaufswerkzeug im linearen Modus. Wenn wir jetzt in der Ebenenmaske einen Verlauf von oben nach unten und von Schwarz nach Weiß mit dem Verlaufswerkzeug zeichnen, blenden wir von unten nach oben immer stärker die untere Ebene, also die hellere Version des Gebäudes, ein.

© Martin Schmidt

Diese Technik wendet man natürlich selten auf ein ganzes Gebäude an. Oft hat man sehr viele Auswahlen von bestimmten Teilen des Bauwerkes und arbeitet jeden einzelnen Teil so heraus, wie man ihn darstellen möchte. Dabei ist persönlicher Geschmack und Kreativität gefragt.

Ich hoffe, Ihr konntet einen guten Überblick kriegen, wie die SGM-Technik funktioniert, mit der ich schwarzweiße Architekturfotos bearbeite. Wer an einem noch tieferen Einblick anhand anschaulicher Beispiele interessiert ist, dem empfehle ich die Video-Masterclass von Joel Tjintjelaar, in der er die von mir kurz skizzierten Techniken ausführlich vorstellt und demonstriert.


kwerfeldein – Fotografie Magazin

 
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19. Februar 2014

20 Feb

Ein Beitrag von: Michael Wolf

Illuminated Field © Michael Wolf


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Interpretieren statt repräsentieren

19 Feb

Ein Beitrag von: Chris Friel

Ich fotografiere, weil ich denke, dass es ein Teil der menschlichen Natur ist, Mitmenschen seine Umgebung vorzustellen. Die Fotografie gibt mir eine Art Befriedigung, zum Teil von den finalen Bildern, aber auch vom kontinuierlichen Lernprozess.

Mein Interesse an der Fotografie begann vor ungefähr acht Jahren. Davor war ich lange Maler gewesen und kaufte mir irgendwann eine Kamera, um meinen Ausstellungskatalog abzufotografieren.

© Chris Friel

So machte ich Bekanntschaft mit einigermaßen guten Digitalkameras, aber im Speziellen die mit Live View begeisterten mich. Seither habe ich nicht mehr gemalt. Mein Hauptziel ist es, ein Foto aufzunehmen, das mir eine Woche später immer noch gefällt. Daran arbeite ich noch.

© Chris Friel

Ein weiteres Ziel: Mehr reisen. Bisher habe ich 150 der 196 Länder der Welt besucht und suche aktuell nach einem Sponsor, der mir helfen könnte, die restlichen Länder zu bereisen. Der Prozess des Fotografierens bedeutet für mich, so lange herumzulaufen, bis ich etwas Interessantes finde.

© Chris Friel

Da ich rot-grün-farbenblind bin, waren meine frühen Fotoexperimente schwarzweiß, da ich Angst davor hatte, mit Farbfotos alles zu vermasseln. Als ich feststellte, dass die Balance der Farben für mich keine Relevanz hat, wurde ich plötzlich fähig, damit zu experimentieren.

© Chris Friel

Die Techniken, mit denen ich arbeite, dienen dem Zweck, eine Szene zum Einen zu vereinfachen, zum Anderen aber auch zu interpretieren. Von daher habe ich mit unterschiedlichen Tilt-Shift-Objektiven fotografiert, um Teile des Fotos unscharf zu machen. Eine gezielte Kamerabewegung während Langzeitaufnahmen wirkt ganz eigen und seit Kurzem beschäftige ich mich mit Mehrfachbelichtungen.

© Chris Friel

Im Großen und Ganzen soll die Technik mir dabei helfen, eine Szene zu interpretieren, statt sie nur zu repräsentieren.

Techniken, die dem Betrachter keine emotionale Reaktion entlocken, sind für mich nicht wirksam. Und die Unmengen von Langzeitbelichtungen von Meereslandschaften lassen mich kalt.

Dieser Artikel wurde von Martin Gommel aus dem Englischen ins Deutsche übersetzt.


kwerfeldein – Fotografie Magazin

 
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17. Februar 2014

19 Feb

Ein Beitrag von: Alexander

Just-Exist-©-Alexander


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