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Archive for the ‘Equipment’ Category

Und Glück gehört auch dazu

17 Jul

Ein Beitrag von: Georg Pagenstedt

Ich fotografiere seit ungefähr zwei Jahren und mache Bilder insbesondere auf Reisen und wenn ich mit Freunden oder der Familie unterwegs bin. Meine Fotos erstehen aus dem Moment heraus. Ich versuche, alltägliche Situationen so zu fotografieren, dass sie etwas Außergewöhnliches darstellen.

Mann vor Telefonzelle © Georg Pagenstedt

Frau unterm Schirm © Georg Pagenstedt

Das funktioniert etwa durch zusätzliche Ebenen wie Ähnlichkeiten, Gegensätze, Spiegelungen, Geometrie oder natürlich Licht und Schatten. Für mich geht es weniger um die Motive, die ich fotografiere, sondern wie sich alles im Sucher zu einem besonderen Bild zusammenfügt.

Natürlich ist die Frage, was ein besonderes Bild ausmacht, in höchstem Maße subjektiv. Ein gutes Bild ist für mich eines, das den Betrachter in eine andere Welt führt. Eine Parallelwelt, die dem hastigen Passanten normalerweise entgeht.

Tatoo © Georg Pagenstedt

Flügel © Georg Pagenstedt

Ich schaue mir gern Fotobücher und Bilder auf Flickr an. Das ist einerseits eine große Inspiration, anderseits zeigt es die Hoffnungslosigkeit, einen eigenen Stil entwickeln zu wollen. Alles ist schon da. Und so mache ich einfach das, was ich mag – ohne zu hohe Ansprüche.

Mich interessiert Technik und Theorie eher wenig, umso mehr das Bild. Meine Kamera ist sehr einfach zu bedienen und ich benutze weder automatische Belichtungseinstellung noch Autofokus. Wenn es schnell gehen muss, schätze ich die Entfernung oder nutze die Tiefenschärfe.

Schnell © Georg Pagenstedt

Gesicht © Georg Pagenstedt

Früher habe ich die Fotos häufig in schwarzweiß konvertiert. Das bügelt Mängel am Bild schon einmal weg. In Farbe zu fotografieren finde ich viel schwieriger, da muss wirklich alles passen. Farbe bringt eine zusätzliche Ebene ins Bild.

Vielleicht ist die Fotografie ein Ausgleich für meine eher kopflastige Arbeit. Und ein Bild kann oft auch etwas über das Weltbild und die Persönlichkeit des Fotografen erzählen. „I am what I photograph“, so sagt es Martin Parr.

Roter Schirm © Georg Pagenstedt

Beim Fotografieren ist es wie überall: Man muss viel arbeiten und ausprobieren, um gute Ergebnisse zu bekommen. Und Glück gehört auch dazu.

Wenn ich im Monat ein Bild mache, das okay ist, dann bin ich schon zufrieden. Und wenn ich am Ende meiner Fotografenkarriere zehn Bilder gemacht habe, die richtig klasse sind, dann habe ich alles erreicht.

kwerfeldein – Fotografie Magazin

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16. Juli 2013

17 Jul

Ein Beitrag von: Marc Reichenbach

kwerfeldein – Fotografie Magazin

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How to Photograph a Kiss without the Awkwardness

16 Jul

Is this real life or are you in a Taylor Swift music video? You’re in the middle of one of the best kisses of your life!

Amidst the fireworks, stars, and confetti, you catch a glimmer off a camera lens five inches from your face, followed by the sound of a shutter. Moment. Ruined.

Cameras might be notorious kiss-ruiners, but they don’t have to be! Our pal Haley Sheffield is a fantastic wedding photographer who’s a master at capturing kisses that look real, natural, and downright beautiful.

Haley’s tips will show you how to get your couple comfortable and how to direct them to get the best kissing photo possible. Most couples aren’t used to kissing in front of a camera, but they’ll be on-camera kissers in a no time.

Now you can have the best kiss of your life and catch it on camera, too.

Tips for Snapping the Perfect Kiss

p.s. We’re looking to re-invent what/how/where we publish online, and we’re seeking one amazing Editorial & Community Lead to lead the charge.

p.p.s. We’re still on the hunt for an awesome sauce Buyer for the Photojojo Shop. Is it you? Go here.

Why Eliminating Awkwardness Makes for Better Kisses

In my past couple of years as a wedding photographer, I’ve read several articles by some of the industry’s top photojournalists and thought I should be more of a fly-on-the-wall. I’m not giving my clients the room or the opportunity to let those natural moments happen.

Well, that the fly-on-the-wall approach is great in theory and–hey–it works for some people, but you know what I got from it? Photographs of fish-lipped kisses and near-make-out sessions.

In my experience, if you step back thirty feet and tell your clients to “do whatever feels natural”, your clients are not going to look like they just jumped out of a Ralph Lauren ad. They’re going to look uncomfortable. Or maybe a little too comfortable. In their heads, they look like every romance movie they’ve ever seen. In their heads, it’s perfect and magical and worthy of an Oscar.

I want my clients to look at photos of themselves and think, “We look awesome. We look in love. We look happy.” There’s nothing unnatural or inorganic about giving a little bit of direction.

So, if you’re wanting to photograph a kiss without the awkwardness, here are a few tips I’ve developed over the years.

1.HUMOR

If you’re funny, use it to your advantage.

Ask the clients to kiss and then crack a joke as they lean in. You’ll get this beautiful laugh/kiss/smile combo in a natural moment, and probably a sweet kiss with a little extra smirk. Unfortunately, I’m not that funny. So I most often use tip number two.

2. THE SIGNATURE KISS-AND-SMILE

I always, always love a good almost-kiss more than full lip-on-lip action.

There’s something about an almost-kiss or a post-kiss shot that lends to the idea that you’ve really captured a moment in time instead of simply asked the clients to kiss and snapped a picture of it.

This is pretty simple: Ask your clients to hug. Position their arms and hands in flattering pose (if this didn’t happen naturally). Then, ask them to kiss a few times and smile in-between.

It feels goofy, and there will be a little bit of nose-bumping and awkward timing (where one is kissing while the other one is smiling, etc.), but that will lend to an even better almost-kiss smile.

I normally start by saying “Alright, let’s do some kisses and smiles,” and then fire off a few shots until I get a good laugh from the couple. If it doesn’t induce laughter, I’ve found that it often creates this sweet flirtatious moment between them–almost like they’ve forgotten about me for a short time (which is always a good thing).

3. STEP BACK

before While I feel like my favorite kissing shots have ended up being the close-ups, your clients will always be more comfortable if you start off by giving them space.

So, in the cycle of shooting a kiss, pose or set-up the clients first, tell them you’d like them to kiss-and-smile for a little bit, then back up a good 20-30 feet and photograph them from far away.

This is a great time to get that landscape shot. I often photograph the kiss (and most poses/moments) in this order: landscape, full-body, ¾ body, and close-up.

4. DON’T BE AFRAID TO GIVE DIRECTION

before Listen. Some people are just awkward. They smush noses or keep their eyes open or kiss like a face-eating-Zombie.

While it can be really uncomfortable to correct a kiss, sometimes you just have to do it.

Tell the clients to tilt their heads instead of smushing noses. If the girl is insecure about her nose, get her to tilt her head away from you.

Ask them to kiss softly if they’re getting a little too sloppy. Say “alright, this time let’s try that again, but both of you close your eyes.” Eliminate the weirdness in the beginning, so you don’t go home from the session praying there was just one frame without the groom’s eyes open.

5. USE MOVEMENT

before Oftentimes, I’ve realized that clients stiffen up when you put them in uber romantic pretzel-poses.

As rad as the Spiderman kiss is, your clients aren’t Spiderman. They’re not used to hanging upside-down and maintaining a suave composure.

Try to loosen them up by asking them to walk hand-in-hand towards you, and then throw them off by asking them to steal a kiss while they’re walking.

If the couple is right for it, you can ask the guy to hug the girl and spin her around in a circle while exchanging some kisses and smiles.

One of the smallest movements that I’ve found makes a HUGE difference in kiss pictures, is to ask the groom to gently place his hand on the bride’s neck and softly brush her face with his thumb. I normally ask them to do this for a few moments without kissing–just forehead-to-forehead and with their eyes closed.

It really brings their attention into each other, and puts me on the outside just documenting the moment.

OTHER PORTRAIT TIPS

Start out the session by asking the clients how they normally cuddle. Do they normally walk while holding hands? Does she normally wrap her arms around his arm and rest her head on his shoulder? Does he normally place his hand at a certain spot on her back?
Create moments that bring them close, and lessen their time staring into the camera. I often ask my clients to get it really close–like nose-to-nose or forehead-to-forehead–otherwise it looks like they’re avoiding bad breath. (And that joke normally brings on a few chuckles). Sometimes I’ll ask them to walk and try to keep on looking at each other–only looking at the ground if they feel like they’re going to fall, but never looking up at me.
Be yourself. I’m not really a funny girl, and I can be exceptionally calm while photographing (instead of the “YES! YES! Work it, work it!” approach, I’m often exclaiming “Oh, that is just beautiful.”). I don’t know that either approach is better, but I do know that my clients feel way more comfortable in front of my camera now than they did when I was putting on my pseudo-photographer personality. Just be you. Whatever that looks like. It will make them more comfortable being them.

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Photojojo

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Dokumentierte Inszenierung und inszenierte Dokumentation

16 Jul

Vielleicht liegt es daran, dass mein ursprünglicher beruflicher Hintergrund mit dem Schreiben und mit Literatur zu tun hat (und eine gängige Einteilung von Texten „fiktional“ und „nichtfiktional“ ist), aber in meinem Kopf sortiere ich meine Fotografie schon seit längerer Zeit nicht mehr in irgendwelche Genres, die mit dem Motiv des aufgenommenen Bildes zu tun haben, sondern zunächst in die beiden Kategorien „Dokumentation“ und „Inszenierung“.

Die beiden Kategorien scheinen mir als Einordnungskriterium für jede Art von Lichtbild deutlich schlüssiger als „Makro-“, „Straßen-“ oder „Menschenfotografie“, also jene Art von Schubladen, die entweder vom Motiv oder der technischen Herangehensweise an das Bild ausgehen.

In meiner Unterscheidung komme ich von meiner Arbeitsweise, als vom Fotografen: Will ich etwas dokumentieren, will ich also die Wirklichkeit möglichst originalgetreu festhalten, ohne selbst in die Szene einzugreifen oder will ich selbst eine Wirklichkeit erschaffen und diese inszenierte Welt abbilden?

Das ist für mich die wichtigste Frage, wenn ich fotografiere. Es sind zwei Herangehensweisen, die unterschiedlicher nicht sein könnten und sich maximal auf meine Arbeitsweise auswirken: Im ersteren Fall bin ich Beobachter der Welt, der mit einer Kamera ausgerüstet durch sie hindurch läuft, nach Motiven sucht und versucht, seine Entdeckungen auf eine spannende Art einzufangen und zu portraitieren, im zweiten Fall selbst Erschaffender, Künstler, der Dinge auswählt, neu zusammensetzt und inszeniert und diesen Prozess schließlich dokumentiert.

Natürlich sind auch bei dieser Form der Einteilung die Grenzen sehr fließend und wie so oft sind es gerade die Grenzfälle, die besonders spannend sind: Es sorgt für Irritation, wenn man dort dokumentiert, wo eigentlich Inszenierung die Regel ist, wie ich beispielsweise in den Kommentaren zu verschiedenen Straßenfotografie-Artikeln immer wieder feststelle.

Menschen müssen inszeniert abgebildet werden, so lautet der Konsens. Das Gegenteil gilt in weiten Teilen für Natur- und Reisefotografie, bei vielen Wettbewerben ist es geradezu verboten, selbst mit seinen Motiven zu interagieren und die Wirklichkeit dadurch zu verändern. Hier ist die Dokumentation der Standardfall und wenn man dagegen verstößt, produziert man im Zweifel einen kleinen Skandal.

Künstlerische Fotografie wird wiederum generell mit Inszenierung assoziiert, mindestens technischer Art (das Paradebeispiel sind die berühmten verwackelten, grobkörnigen Schwarzweißbilder, die die Foto-Technikfreaks immer belächeln). Konzert- und Eventfotografie beschäftigt sich schließlich mit der Dokumentation von Inszenierungen.

Die Technik spielt in einer solchen Dichotomie natürlich eine große Rolle, sie ist gar eine zweite Ebene, auf der entweder dokumentiert oder inszeniert werden kann: Gebe ich das Bild in den Farben wieder, die auch das menschliche Auge wahrnimmt oder nicht?

Und was passiert eigentlich, wenn ein Bild aus einer völlig unnatürlichen Perspektive aufgenommen wird, per Ultraweitwinkel und/oder mit stark das Bild beeinflussenden Filtern? Ist das noch dokumentarische Fotografie? Oder verfremdet es alles schon zur Inszenierung, weil es einen Blickwinkel zeigt, der für uns als Mensch mit unserem biologischen Wahrnehmungsapparat nicht zu erkennen ist? Die gleichen Fragen gelten analog für Highspeedaufnahmen und Lupenobjektive.

Die Frage, die man mir zu dem Bild, aus dem ein Ausschnitt über dem Artikel zu finden ist, einige Male gestellt hat, war: „Hast Du die beiden Schnecken aufeinander gesetzt?“ Die Antwort ist: „Nein, ich fand die Szene wirklich so vor“, aber ich lese aus der Frage, genau wie aus den Diskussionen über Streetfotos und den schier endlosen Streitereien über Bildbearbeitung, dass ich nicht der Einzige bin, der die Unterscheidung in diese beiden Kriterien vornimmt, dass viele Menschen Fotografie ebenfalls unbewusst so einzuordnen scheinen.

Gerade diese unausgesprochenen Gesetze zu brechen und darüber nachzudenken, was man eigentlich gerade tut, wie man als Fotograf mit seinem Bild umgeht und ob das auch auf eine andere Weise möglich wäre, erscheint mir sehr wichtig, denn an genau diesen Übergangsstellen verhindern unausgesprochene, aber verinnerlichte Dogmen oft innovative Ideen, wie man in den seitenlangen und niemals zielführenden Diskussionen in Fotoforen beobachten kann:

Viele lehnen reflexhaft das ab, was nicht in den Bereich fällt, in dem sie selbst aktiv sind. Der Naturdokumentar kann mit Fotomanipulationen nichts anfangen, der Kunst-Fotograf mit absichtlich verwackelten Schwarzweißbildern aus der Lomo lächelt über die detailversessene Präzision technischer Sportfotos, aber selten denken die beiden Gruppen darüber nach, was sie voneinander lernen und übernehmen könnten, wenn sie die gegenseitigen Herangehensweisen schätzen und verstehen würden. An den Stellen, an denen man in der Lage ist, sich von hergebrachten Schubladen zu lösen und Dinge anders zu denken, lauert irgendwo das Neue.

kwerfeldein – Fotografie Magazin

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Eine gehörige Portion Idealismus

16 Jul

Auf der dreistündigen Fahrt von Berlin nach Hamburg habe ich endlich Zeit, mich einem hübschen und kleinen Magazin zu widmen, das in einem Umschlag zusammen mit fünf abgelaufenen Delta-Filmen steckte. Es trägt den Titel: I think we are alone now #2.

Dass es sich um ein Magazin für analoge Fotografie handelt, das verrät mir das Heft in kleineren Buchstaben unterhalb des Titels. Mit seinen Maßen 18 x 15 cm passt es auch perfekt in meine Reisetasche und in meine kleinen, wurstigen Fingerchen.

Auf den ersten Seiten muss ich schon schlucken, manchmal die Augen schließen, denn die Bilder einer Schlachtung gehen durch Mark und Bein. Die Bilder sind in schwarzweiß gehalten, dokumentarisch, nichts ist geschönt, keine Gesichter sind weichgezeichnet. Die Bilder reihen sich zu einer Geschichte zusammen. Am Ende zeigen sie Geselligkeit und lachende Gesichter. Die Bilder stammen von Oliver Weber. Wir kennen ihn schon auf kwerfeldein.

Oliver Weber © Florian Olomski

Bastian Kalous © Florian Olomski

Vier Künstler werden auf 64 Seiten in Bild und zwei von ihnen via Interview präsentiert. Und auch der zweite Fotograf, Bastian Kalous, kommt mir doch sehr bekannt vor. Das Magazin komprimiert, setzt meine kleine analoge Welt zusammen. Ich begegne Bekannten und Unbekannten. Fast schon fühlt es sich familiär an, dieses Magazin.

Über die im Interview vorgestellte Künstlerin Silke Seybold freue ich mich sehr. Denn sie zerschmettert meine Vorurteile, die ich zunächst, als ich mir das Titelbild ansah, hatte.

Nackte Frau sitzt auf einer Dampflok.

Toll, dachte ich – nicht! Meine Gedanken waren ganz böser Natur. War ich doch in meinem alten Schematagedenke gefangen: Ein Mann hätte wieder die grandiose Idee gehabt, nackte Frauen vor wuchtigen Industriekulissen zu präsentieren. Ich gähnte.

Dass es sich hier aber um Selbstportraits vor verlassenen Kulissen in Detroit handelt, das offenbart uns das Heft erst im Gespräch. Auch lässt mich die Künstlerin viel tiefer in ihre Arbeit „Silent Places“ blicken, als es ein flüchtiger Blick über ein Bild, bei dem ich kurz abwäge, ob ich es mag oder nicht, könnte.

Auch der vierte Künstler, Marcin Kubiak, weiß zu überzeugen, auch wenn schwebende Häuser nicht ganz mein Geschmack sind.

Silke Seybold © Florian Olomski

Marcin Kubiak © Florian Olomski

Florian Olomski ist der Herausgeber dieses kleinen und feinen Magazins. Er schreibt mir hierzu:

„I think we are alone now“ war Ende letzten Jahres das erste Zine, das rauskam, als Auftakt damals mit eigenen Arbeiten. Namensgebend war dieses Gefühl der Abgetrenntheit von einer hektischen Welt voller Eindrücke, das mich manchmal überkommt, der Name ist daher sehr persönlich geprägt. Außerdem passte es mir gut zur analogen Fotografie, es gibt nicht mehr viele, die sich dafür interessieren und damit auseinandersetzen, man fühlt sich manchmal wie einer der letzten Dinosaurier.

Ob es ein Konzept hinter dem Magazin gibt, möchte ich noch wissen und stelle lächelnd fest, dass es keines gibt und sich die ganze Sache aus sich selbst, ja, aus seiner Leidenschaft selbst, heraus entwickelt hat.

Eigentlich ist es denkbar einfach: Ich möchte mein Herz in etwas stecken und Fotografie teilen – das werdet Ihr bei kwerfeldein ja kennen. Ich sehe es jedoch als klaren Gegenentwurf zur online erlebten Fotografie der Social Networks. Mir ist es wichtig, Fotografie physisch zu erleben, meine Aufmerksamkeit darauf zu fokussieren und mich damit auseinanderzusetzen. Das mache zumindest ich online zu selten. Viel mehr habe ich da das Gefühl, es geht um zwei Sekunden Aufmerksamkeit, bis man das nächste Bild sieht. Durch den Überfluss an Information herrscht eine permanente Konkurrenz um Aufmerksamkeit und das lässt sich durch Printmedien durchbrechen.

Er sieht sein Projekt als alternativen Entwurf zu unserer austauschbaren digitalen Kultur. In unregelmäßigen Abständen soll das Zine nun erscheinen, ohne Zeit oder Erwartungsdruck. Und ohne Gewinn möchte er auch den niedrigen Preis von drei bis vier Euro halten. Dafür bedarf es einer gehörigen Portion Idealismus, Mut und Leidenschaft. Dass er dafür auch Unterstützer braucht, ist klar.

Das Magazin wird in einer sehr kleinen Auflage, bis zu 175 Stück produziert. Es wird bei einer Online Druckerei gedruckt und von ihm selbst zuhause zugeschnitten. So sind mit dem Preis gerade einmal die Druckkosten gedeckt. Und was jemand mehr zahlt, darüber freut er sich natürlich, denn dadurch können zukünftige Projekte einfacher finanziert werden. Beziehen könnt Ihr das Zine über die Webseite von I think we are alone now.

Und mal ehrlich, so allein sind diese Filmjunkies überhaupt nicht.

kwerfeldein – Fotografie Magazin

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15. Juli 2013

16 Jul

Ein Beitrag von: Florian Olomski

This Must Be Home © Florian Olomski

kwerfeldein – Fotografie Magazin

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Augenschmaus: Parmigiana di Melanzane

15 Jul

Ein Beitrag von: Krautkopf

In der italienischen Küche werden meist aus wenigen, dafür sehr aromatischen und frischen Zutaten unglaubliche Gerichte gezaubert, die dazu einladen, Leibspeisen zu werden. So auch das köstliche Parmigiana di Melanzane – ein einfacher, aber wundervoller Auberginenauflauf aus Süditalien, bei dem man am liebsten den Teller ablecken möchte.

Portionen: 2- 3
Zubereitungszeit: 75 Minuten

Zutaten

3 große Auberginen
1,5 kg frische Tomaten
100 g Parmigiano Reggiano
200 g Büffelmozzarella
1 Zwiebel
1 – 2 Knoblauchzehen
1 Handvoll frisches Basilikum
1 TL Honig
Olivenöl extra vergine
Salz, Pfeffer

Zubereitung

Die Auberginen in etwa 1 cm dicke Scheiben schneiden und mit etwas Salz bestreuen. Anschließend in eine Schüssel legen, mit einem Teller beschweren und für eine halbe Stunde ziehen lassen. Hiermit entziehen wir der Aubergine ihre Bitterstoffe.

Inzwischen die Tomaten häuten, vom Strunk befreien und in kleine Stücke schneiden. Knoblauch und Zwiebel schälen und klein hacken. In etwas Olivenöl anschwitzen, die Tomaten hinzugeben und zu einem Sugo einkochen lassen.

Mit Honig, Salz und Pfeffer abschmecken. In der Zwischenzeit können wir uns wieder den Auberginen widmen. Mit kaltem Wasser kurz abspülen und danach mit einem Küchentuch gut trocknen.

Im Originalrezept werden die Auberginen in Olivenöl ausgebacken. Um unser Parmigiana etwas leichter zu machen, braten wir sie aber ohne Öl von beiden Seiten in einer Grillpfanne an. Nun muss noch der Mozzarella in Scheiben geschnitten und der Parmesan gehobelt werden und dann kann das große Schichten beginnen:

In eine mit Olivenöl ausgepinselte Auflaufform legt Ihr als erstes eine Schicht Auberginen. Darauf kommt etwas Tomatensauce, einige Basilikumblätter, anschließend alles mit Parmesan bedecken und Mozzarella Scheiben belegen. So verfährt man, bis alle Zutaten aufgebraucht sind.

Die oberste Schicht Auberginen wieder mit Tomaten, Basilikum und beiden Käsen belegen und ab in den auf 200 °C vorgeheizten Backofen damit. Nach 30 – 35 Minuten, wenn Euer Parmigiana goldgelb gratiniert ist, haben sich alle Aromen zu einer wunderbaren Geschmacksbombe verbunden.

Fotorezept

Wir haben beide eine Ausbildung in Werbestudios gemacht und dort ausschließlich mit Blitzlicht gearbeitet. Seit wir selbstständig sind, fotografieren wir unsere Food- und Stillleben-Aufnahmen jedoch fast nur noch mit vorhandenem Licht. Dank großer Fenster und weißen Wänden bekommt man so – allein mit dem Tageslicht – ein schönes natürliches Licht. Hier und da haben wir einen Aufheller benutzt.

Um das rustikale Flair des Gerichtes zu unterstreichen, haben wir als Untergründe alte Holzbretter und grobe Stoffe gewählt. Hier darf auch mal gekleckert werden, um die Bilder möglichst authentisch aussehen zu lassen. Eben so, als säße man gerade ganz gemütlich mit Freunden und einer Flasche Rotwein zusammen. Damit die Farben der Zutaten richtig leuchten, ist alles in hellen Tönen gehalten.

Du hast auch ein leckeres Rezept und die passenden Food-Fotos dazu, die einem das Wasser im Munde zusammenlaufen lassen? Dann werde einfach selbst Teil von „Augenschmaus“!

kwerfeldein – Fotografie Magazin

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Verbunden

15 Jul

Für seine Serie „Bounded by bounding colours“ suchte der italienische Fotograf Alessandro Polia Liebespaare. Mit Hilfe eines einfachen Farbstriches verband er das Paar miteinander und ließ den Strich an der Wand weiter verlaufen. Die Idee ist simpel, funktioniert aber hervorragend.

Die Paare haben sich vor Ort für ihre Lieblingsfarbe entschieden, eine Farbe, die ihre Liebe symbolisiert. Alessandro selbst hat sich ebenfalls zusammen mit seiner Freundin in der Serie verewigt. Wer davon er ist, verrät er allerdings nicht.

Alessandro Polia ist eine Art Allroundtalent. Er arbeitet nicht nur als freier Fotograf, sondern auch als Art Director bei McCann. Nebenbei singt er in einer Rockband und ist Spielmacher in einem Basketball-Team.

Weitere seiner Bilder könnt Ihr auf seiner Homepage, bei Behance oder auf auf Facebook entdecken.

kwerfeldein – Fotografie Magazin

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14. Juli 2013

15 Jul

Ein Beitrag von: marcgrafie

Jenn

kwerfeldein – Fotografie Magazin

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browserFruits Juli #2

14 Jul

Seid Ihr auch schon in Sommerlaune und genießt die fotografischen Möglichkeiten der warmen Sonnentage? Oder wartet Ihr lieber auf die kühleren Abende, um den harten Schatten zu entgehen? Wir wünschen Euch so oder so viel Spaß beim Fotografieren und freuen uns immer, Eure Werke anzusehen. Zum Beispiel in unserem Ausblick und der dazugehörigen Flickr-Gruppe. Doch bevor Ihr Euch nun die Kamera schnappt und loszieht, genießt unseren aktuellen Früchtekorb.

Fotospecial: Auf den Vogel gekommen

Flickr

500px

Deutschsprachig

• Wir stellen vor: Norm, der charismatische Supermops und seine fantastischen Fotos.

• Eric Lafforgue fotografiert Menschen in abgelegenen Gebieten Afrikas und Asiens, die oft noch nie eine Kamera gesehen haben. Über seine Erfahrungen spricht er in diesem Interview.

• Blurb präsentiert das diesjährige mac at camp. Vom 17. bis 21. Juli wird es in Naumburg jede Menge Workshops rund um das Thema Fotografie und Bildbearbeitung geben.

• Und: Hurra! Im September wird es einen Magnum-Workshop in Heidelberg geben.

• Der Einzug der C/O Berlin in ihre neue Bleibe, das Amerika-Haus, verzögert sich. Den Umbau kann man auf der Webseite der Fotogalerie schön mitverfolgen.

International

• Ein sehr beeindruckendes Panorama aus der Luft zeigt Shanghai auf wundersame Weise. Tipp: Stellt mal auf Fullscreen.

• Theo Gosselin fotografierte Hipster in Frankreich. Wie? Wunderschön.

• Großartige und lustige Fotostrecke von Männern in den Klamotten ihrer Freundin.

• Amelia bekam mit 28 Brustkrebs. Sie und ihre Freundin dokumentieren das Leben mit der Krankheit.

• Achtung, heftige Fotos: André Liohn zeigt die Traumata der libyschen Revolution. Ehrlich und ungeschönt.

• Why, Mister Why? – ist eine Fotodokumentations-App, die mit Bild und Text hinter die Kulissen des Irak-Krieges schaut und auch von Martin Parr als eines der besten Fotobücher der letzten zehn Jahre gelobt wurde.

• Wie fotografiert man eine lange Reise? Fotojournalist Shannon Jensen hatte eine brilliante Idee.

• Aus aktuellem Anlass: Diese unfassbaren Fotos zeigen, warum Hong Kongs Flughafen vor 15 Jahren geschlossen wurde.

• Lust auf ein kurzes, knackiges Interview? Dann solltet Ihr dieses mit dem großartigen Fotojournalisten Peter Drench lesen.

• Erotische Modefotografie von Nelson Simoneau haben wir hier entdeckt.

• Die argentinische Künstlerin Ana Alvarez-Errecalde zeigt den Anfang einer jeden Mutterschaft. Nicht heilig, nicht glorifizierend sondern mit viel Blut und einem Lächeln auf dem Gesicht.

Neuerscheinungen und Tipps vom Foto-Büchermarkt

tipps

• Frisch auf der Wunschliste unseres Herausgebers ist der Bildband des New York Times Magazine* mit Fotografien von 1978 bis 2011. Der Band ist mit 447 Seiten ein echter Hammer und unter anderem sind Werke von Erwin Olaf, Gregory Crewdson und vielen anderen großen Namen zu sehen.

• Wer sich für einen Bildband auf dem Kindle begeistern lässt, sollte „Street Photographers“* nicht auslassen, das vom gleichnamigen Kollektiv stammt und viele hochkarätige Fotografen am Start hat. Unbedingt reinsehen.

Videos

Das Camera-Obscura-Projekt Stenop.es macht Lust darauf, seine eigene Wohnung in ein Kopfüber-Kino zu verwandeln.

Fantastische Aufnahmen von wallenden, wabernden Nebelfeldern in der Bucht von San Francisco.

Von Wong zeigt, für was Nikon-Kameras eigentlich gemacht sind. Ton an!

Ausstellungen

Garry Winogard, Candida Höfer
Zeit: 29. Juni – 30. August 2013
Ort: GALERIE THOMAS ZANDER, Schönhauser Straße 8, 50968 Köln
Link

Robert Mapplethorpe “Fetish”
Zeit: 21. Juni – 31. August 2013
Ort: Galerie Stefan Röpke, St. Apern-Straße 17-21, 50667 Köln
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PHILIP-LORCA DICORCIA. PHOTOGRAPHS 1975-2012
Zeit: 20. Juni – 8. September 2013
Ort: Schirn Kunsthalle, Römerberg, 60311 Frankfurt/Main
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Sehnsucht nach dem Wilden Westen – 100 Jahre Münchner Cowboy Club
Zeit: 21. Juni – 15. September 2013
Ort: Münchner Stadtmuseum, St.-Jakobs-Platz 1, 80331 München
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Bryan Adams – Exposed
Zeit: 19. Juni – 22. September 2013
Ort: OstLicht, Absberggasse 27, 1100 Wien
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»Ich bin ein Berliner – Kennedys Deutschland-Besuch im Juni 1963«
Zeit: 20. Juni – 29. September 2013
Ort: The Kennedys, Auguststraße 11-13, 10117 Berlin
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Ellen Korth – Utilité
Zeit: 2. Juni – 29. September 2013
Ort: TextilWerk Bocholt, Industriestraße 5, 46395 Bocholt
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Steve McCurry – Überwältigt vom Leben
Zeit: 28. Juni – 29. September 2013
Ort: Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Steintorplatz, 20099 Hamburg
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Jochen Lempert
Zeit: 22. Juni – 29. September 2013
Ort: Hamburger Kunsthalle, Glockengießerwall, 20095 Hamburg
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Stadt der Guten Hoffnung – Bilder aus Oberhausen
Zeit: 9. September 2012 – 29. September 2013
Ort: LVR-Industriemuseum, Zinkfabrik Altenberg, Hansastraße 20, 46049 Oberhausen
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Robert Adams: The Place We Live
Zeit: 30. Juni – 29. September 2013
Ort: Josef Albers Museum Quadrat Bottrop, Im Stadtgarten 20, 46236 Bottrop
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Tobias Zielony – Jenny Jenny
Zeit: 21. Juni – 30. September 2013
Ort: Berlinische Galerie, Alte Jakobstraße 124-128, 10969 Berlin
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about:berlin – photographies 1945 – 2013
Zeit: 1. Juni – 30. September 2013
Ort: boxoffberlin, Zimmerstraße 11, 10969 Berlin
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Mehr aktuelle Ausstellungen

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16. Juli 2013

How to Photograph a Kiss without the Awkwardness

Why Eliminating Awkwardness Makes for Better Kisses

1.HUMOR

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4. DON’T BE AFRAID TO GIVE DIRECTION

5. USE MOVEMENT

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Dokumentierte Inszenierung und inszenierte Dokumentation

Eine gehörige Portion Idealismus

15. Juli 2013

Augenschmaus: Parmigiana di Melanzane

Verbunden

14. Juli 2013

browserFruits Juli #2

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